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    <title>Canciones minúsculas: Giovanna Núñez y su La Lá</title>
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</div><br /><br /><i>Una canción incluida en el recopilatorio Hilos de Oro nos descubrió la delicada voz de <a href="http://www.myspace.com/espaciodelala">La Lá</a>, seudónimo con el que Giovanna Núñez presenta sus canciones. Meses después apareció un ep con seis breves y austeras composiciones llenas de imaginación, que han ratificado la virtud de Giovanna para un género que empieza a ser cultivado con entusiasmo y talento en los circuitos alternativos locales. A continuación una plática con esta joven y talentosa cantautora quien sin duda ya es una de las voces más singulares del pop independiente local.&nbsp; &nbsp;</i><br />&nbsp;<br /><b>¿Cuándo empezaste a hacer música? ¿La Lá es tu primer proyecto musical?</b><div><br />La Lá es mi primer proyecto personal. Siempre desde chica me gustó la música y empecé participando en proyectos musicales como vocalista. Cuando tenía 18 estuve dos años en la Orquesta Juvenil de Música Nueva y después me dediqué a otras cosas. A veces jameaba con unos amigos. En realidad eran bien esporádicas mis incursiones musicales. En el 2004 hice una canción, "Oeste", y después de varios años empecé a hacer canciones seguidas. Y ahí me di cuenta que sí podía hacer lo que yo tanto quería, que era hacer música, mis canciones.<br /><br /><b>¿Tenías algún tipo de motivación local, te inspiraba algún grupo o solista?</b></div><div><br />Pues la verdad no soy mucho de salir a mirar cosas, siempre estaba muy ocupada, cuando estaba en la universidad con la universidad y cuando nació mi hijo con mi hijo. Las canciones se inspiran en cosas personales, de emociones abrumadoras es que sale una canción. Pero de hecho yo tengo un bagaje inconciente de cierto tipo de música, entonces tiendo a hacer canciones con una vibración así tipo bossa, relajaditas.<br />&nbsp;<br /><b>Lo decía porque me da la sensación que últimamente hay una ebullición de chicas cantando y gente haciendo canciones, pero quizá sea una etapa inicial aun, pienso en gente como Katia de la Cruz o Paulo Novoa.</b></div><div><b><br /></b>Bueno, en el caso de Katia ella ya tiene años. <br /><br /><b>Sí, es un poco más experimentada...</b><br /><br /></div><div>Yo creo que a veces pasan esas cosas porque que hay como sincronías, hay esa mente colectiva que dicen, entonces despierta en diferentes lugares proyectos similares.<br /><br /><b>¿Tú te sientes ubicada como parte de alguna movida aquí?</b></div><div><br />Todavía no sé porque todavía no termino de definir mi sonido, tengo una versión que es la primera y es la única que yo podría dar, donde soy yo con mi guitarra, que no la toco tan bien, con un sonido bien trashi que me equivoco en los acordes. Puede ser gracioso en algún sentido pero también me proyecto un poco con otros sonidos y eso aun no lo termino de cerrar. Y con ese sonido he estado tocando en estos círculos under indies, lo fi. me gusta mucho el lo li. En esos espacios he tenido la oportunidad de tocar varias veces. Siempre voy a estar un poco ahí. Ahora que si redefino mi sonido con instrumentistas que sepan tocar un instrumento quizá también otras personas me escucharían.<br /><br /><b>Has publicado un disco, un demo, pero igual te debes sentir más o menos contenta con el sonido que está ahí.</b><br /><br /></div><div>O sea sí, pero lo que pasa es que la traducción de lo espontáneo acústico a una grabación parece que tiene unos caminos que yo todavía no conozco. Porque por ejemplo, cantar en un estudio, sólo escuchando mi voz es algo con lo que no me llegué a acostumbrar. Todo fue grabado en un estudio, entre las once de la noche y la una de la mañana, o sea todo, entonces como que no llegué a compenetrarme con ese sistema del estudio y creo que uno tiene que poder conocer esa herramienta para poder usarla, tenia muchas ganas de compartir esa música pero no he sido tan exigente de cómo salió el sonido final. Me gusta pero no es como yo me lo imaginaba. Me imaginaba otra calidad en los sonidos, no sé...<br /><br /><b>Pero también tu música tiene algunas referencias a la bossa nova, que es música por lo general con una producción muy sofisticada, con arreglistas, compleja a ese nivel pero también hay mucha gente que inspirado en eso hace cosas artesanales, que tienen un encanto más de intimo, casero.</b></div><div><br />De broma le decía a mi música que era indie bossa. A mi me da risa lo precario y me gusta porque creo que lo más importante es el sentimiento, la intención y no sé, mientras el soporte sea utilizado con sinceridad está bien.<br /><br /><b>Bueno tus canciones son en ese sentido bastante honestas, las cosas que dices son de esas cosas que alguien le cuenta a otra en una situación de mucha confidencia, es algo muy personal que me parece bacán.<br /></b><br /></div><div>Es como que la canción me sale por presión, un sentimiento que sale como un jabón volando.<br /><br /><b>Y aparte me he dado cuenta que no le tienes miedo a cantar una cosa muy romántica. Hay mucha gente que diría es muy cursi pero tú en eso todavía ahondas más.</b></div><div><br />Yo creo que no tengo mucha mancha, mucho medio, es como qué me dices que grupo tengo de referencia, yo he estado metida en mi casa mucho tiempo. Cuando he estado haciendo mis canciones no sabía si eran buenas o una shit como empezar a compartirlas, el hecho de estar un poco sola, así, de repente por eso no tenía mucha idea de lo que era cursi. Lo que sí tenía la intuición clara de que muchas cosas iban a producir vergüenza ajena en la gente, y me daba risa, cantar "esta pasión que siento por ti" iba a ser que la gente diga "pobrecita, tápenla..." es divertido, es como un sentimiento colectivo, que otra persona lo escuche y se sienta identificado, y se ría, eso me parece rico.<br /><br /><b>Creo que todos tenemos ganas de decir algo así</b></div><div><br />Quizás...<br />&nbsp;<br /><b>A veces hay como un tipo de freno, a mi me gusta eso tus canciones que puedan ser bastantes sueltas, no hay ningún tipo de roches ni nada.</b></div><div><br />Es que supuestamente no soy yo, son canciones.<br /><br /><b>Y el hecho de trabajar con Leo Camacho, es porque te interesaban los sonidos electrónicos o es por la cercanía con él.</b></div><div><br />Es por la cercanía, porque Leo me apoyó en todo lo que pudo en eso, fue un disco producido con los recursos que teníamos él y yo a la mano. Él es mi novio, vivimos juntos y compartimos ese producto, porque de hecho él puso también lo suyo. <br /><br /><b>¿En vivo has tocado con él también?</b></div><div><br />No, sólo toco yo. Leo en el demo lo que hizo fue igualar los niveles de sonido, le puso los efectos los sonidos concretos y básicamente eso, como que agarrar las pistas y mezclarlas para que sonaran, creo que en una canción puso una línea de bajo también. Pero por lo general hasta el día de hoy he tocado yo sola salvo el concierto con las chicas "Ser música" en donde Irazema tocó guitarra, es otra experiencia, soltar el instrumento que no sé manejar muy bien y poder como concentrarme en cantar.<br /><br /><b>Eso te iba a preguntar, ¿ese concierto Ser Música, es el sonido ideal para tu música? Es decir te imaginas tocando con una suerte de ensamble atrás.</b></div><div><br />Lo que sí me imaginaba es un ensamble pero no exactamente así porque también en Ser Música todas pusimos de lo nuestro para hacer las canciones de todas, todas hicimos las canciones al estilo de nosotras juntas. Yo ahorita estoy ensayando con unos amigos el ensamble. Y suena mostro. Estoy ensayando con Laura Robles que está haciendo la dirección musical, ella siempre con mucha delicadeza de sentir como es la onda, muy linda ella y los chicos que son malditazos, entonces con Laura estamos como que pasandolos temas. <br />&nbsp;<br /><b>Hay toda una proyección con La Lá...</b></div><div><br />Claro, de hecho sí. Yo no sé leer música, no sé tocar ningún instrumento. La guitarra la he aprendido a tocar con mis canciones, o sea busco los acordes por oído, cuando yo tenía un ímpetu musical antes no sabia como comunicarlo. El tema de la música es conflictivo para mí, yo quería hacer música pero no tenia como sacarlas. Entonces cuando he agarrado la guitarra y he empezado a sacarlas, la gente me ha dicho ah tu quieres hacer esto, sí y tu crees... entonces como que ya me escuchan. Es partir de algo para trabajar.<br /><br /></div><div><b>¿Pero no has movido mucho tu material no?</b></div><div><br /></div><div>Es que ese material es la explosión de querer compartir esto que estoy haciendo y cantar porque a mi me emociona cantarle a las personas, me emociona un montón, siento que es en el lugar donde debería estar, pero siento que ese material debo trabajarlo un poco más a nivel del sonido, con los amigos que estoy ensayando ahora y eso sí moverlo un poco más, porque eso es más cercano a lo que quiero presentar. El demo lo escucho y encuentro cosas que no me gustan, en mi voz sobre todo, cosas así que no me gustan a mí, pero que haya salido está bien.</div><div><br /></div><div><div><b>Claro. ¿Y en total cuantas canciones tienes?</b></div><div><b><br /></b>Tengo nueve.<br />&nbsp;<br /><b>¿Todas duran así un minuto?</b><br /><br /></div><div>Jajajaja, no, son así cortitas pero ya con estos amigos las vamos a extender porque ya intervienen otras fuerzas, las fuerzas así elefánticas de sus talentos, ellos se toman su tiempo.<br /></div>&nbsp;<br /><b>¿Y te gusta la música peruana? Cosas como Chabuca Granda por ejemplo</b></div><div><br />Me gusta Chabuca Granda, Susana Baca, me encanta el Zambo Cavero, su voz es una de mis voces favoritas.<br />&nbsp;<br /><b>¿Te interesa la música criolla?</b></div><div><br />Me gustan algunas cosas, como lo más suave de la música criolla, como lo que hacia Chabuca, los landos, valses, pero ponte costas como "jálame la pitita" no me gustan ni esa visión así criolla tipo eso de "todas las mujeres son unas víboras...", eso no me gusta.<br />&nbsp;<br /><b>Te gusta la veta mas estilizada, bueno Chabuca le metía algunos arreglos de bosanova. Tiene un disco Tarimba Negra, que es un disco casi experimental, con temas instrumentales, arreglos bien extraños.</b><br />&nbsp;</div><div>Asu, de Chabuca me encanta su voz, todo<br />&nbsp;<br /><b>Te preguntaba eso porque cuando te veía cantar pensaba en ese tipo de cantautoras, a lo Chabuca Granda. Bueno, Susana Baca no es tanto una cantautora aunque es una diva también..</b><br />&nbsp;</div><div>Susana Baca es bella<br />&nbsp;<br /><b>No hay mucha conexión entre esta movida independiente y ese mundo más criollo, me parece.</b></div><div><br />Es extraño, no sé a qué se debe, tendría que hacer un análisis sociológico que no puedo hacer y además cada persona tiene sus propios móviles pero si de hecho yo como individuo no me siento muy impulsada, es decir no ha habido en mi vida muchas cosas que me impulsen hacia una visión de lo peruano positiva, porque siempre desde chico te taquean en el colegio, con las fiestas patrias lo mas insignificante del Perú. Si la radio repite la misma formula de pop, igual se repite lo mismo de música peruana y pareciera que no es una cosa que se mueve y la música se tiene que mover. Por ejemplo este disco de Chabuca Granda que me dices yo no lo conocía y así hay muchos músicos que sé que existen y son increíbles y nadie los escuchó nunca. Ahí hay una cosa, una maquinita que funcionó mal, cosas increíbles que están tiradas.<br />&nbsp;<br /><b>¿Y los circuitos de jazz en Lima, los frecuentas, conoces las cantantes que hay?</b></div><div><br />Ahorita no, no conozco casi nada, a veces por oído, fulanita está cantando pero no voy, solamente salgo un día a la semana a veces, cuando Leo toca o yo.</div><div><br /><b>Has estado todo este tiempo como en una especie de cubículo, invernadero.</b></div><div><br />Es que yo me fui a estudiar filosofía, que es otra nota y era bien exigente y entonces estudiaba un montón y estaba desconcentrada de la música y me juntaba con amigos a tocar y he tocado covers así chiveando y después nació mi hijito y ya con él es un horario distinto en todo, no es como que ah hay tal cosa voy a ir a ver, porque yo salgo del trabajo a las 6.30 y de ahí lo cuido, no puedo salir así nomás.<br />&nbsp;&nbsp;</div><div><b>Pero y s las cosas actuales que están saliendo en Lima, que están en tu entorno, qué es lo que más te llama la atención</b></div><div><br />Me gusta El hombre Misterioso, me parece un grupo muy chévere. Y después el día que estuvimos ensayando con las chicas de Ser música me gustó mucho las composiciones de Irazema Vera, ella tocaba en un grupo en Chile y ahora está acá. Me gusta mucho como compone. <br />&nbsp;<br /><b>Y como ambiente qué te hace pensar esta movida más independiente</b></div><div><br />Parece como que hay una abundancia de recursos para hacer cosas, hay las compus, las macs, el programa tal y hay una abundancia de recursos pero hay una cosa que converso a veces con algunos amigos, pienso que coincide con un mail que me mandaron sobre la gente adulta de esta generación que es como siempre adolescente, yo estoy en una fiesta y veo que vienen chibolos y yo digo todavía sigo acá. Entonces con la música siento que, para que no sea como un hobby, habría que tener una exigencia más profesional que los espacios donde se tocan sean mejor considerados, mejor remunerados o quizá que la gente tenga el habito de ir a escuchar a un grupo con una atención distintas. Ahorita todos tocamos en fiestas...no sé, no me lo había preguntado, me parece que esta movida es buena en el sentido que se produce mucho, pero también cuando algo te cuesta producirlo y hacerlo le das otro valor. O sea si yo no tengo nada que hacer y puedo ir y canto 25 veces y cobro 5 soles quizá la gente que me escucha me va a dar la atención que emana ese ejercicio. Es como que algo que tiene que ponerse en su sitio, como que varias cositas tienen que encajar, quizá desde nuestra edad real hasta no sé, generar los espacios de distinta manera. <br />&nbsp;<br /><b>Igual lo que me hace sentir tu comentario es que estos espacios están incompletos. Que es una percepción común y esto que la música en dichos espacios no debería verse solo como un hobby es algo que muchos comparten también.</b></div><div><br />Falta como una seriedad, por usar una palabra común, igual yo veo que todos mis amigos que hacen música sacrifican su tiempo para ensayar. Quizá haya una abundancia de recursos, de abundancia de bienestar y eso hace que las cosas se queden como flotando, no sé como explicarlo igual cada caso es distinto. ¿Dónde me gustaría tocar? pues en un lugar donde la gente vaya a escuchar la música y esté sentada escuchando y no necesariamente chupando y que pague, que pueda poner su aprecio en dinero también. No te digo voy a reventar mi chanchito con lo que voy a cobrar. Como que la gente piensa también que sus grupos no son gente que los subvenciona nadie si tu quieres que haya músicos que se dediquen a hacer música y que haya mas música en tu medio tienes que considerar que para que ellos lo hagan necesitas valorar eso porque sino va a ser siempre como medio flaca la movida.<br />&nbsp;<br /><b>Si pues. Para terminar podrías darme una lista de cuales son tus cinco canciones favoritas.</b></div><div><br />¿En el mundo?<br /><br /><b>Si</b></div><div><br />A ver, mmmmmm, pucha, me voy a demorar en pensar. <br /><br /><b>O tres canciones, de hecho siempre hay algunas que uno tiene en la cabeza</b></div><div><br />Bueno que siempre están en mi cabeza creo que es una canción, no sé si es Diana Ross la que la canta, pero es una que dice "i'm in love, oh yes i am, i'm love, oh yes i am". Hay una canción de Bjork que me gusta pero no recuerdo el nombre.<br />&nbsp;<br /><b>¿Y alguna bosanova que te gusta en especial?</b></div><div><br />Mmmm, tengo que pensar, creo que me gustan canciones también de Café Tacuba, algunas de Julieta Venegas. Me gusta una "Tiempo Suficiente", creo que se llama. Me gustan un montón de canciones, no sabría decirte, tendría que mandarte por correo.<br />&nbsp;<br /><b>¿No tienes fetiches musicales?</b></div><div><br />No, pero las canciones que tienen una frase que es media fetiche se me pegan tipo esa "i'm in love, oh yes i am" las canciones de José José son bien bonitas, las de Juan Gabriel, todas. Por ejemplo a mi hermano le gusta cantar una de José José cuando se llamaba José Soto, que es "una mañana, una mañana linda, como la flor, como el amor".. todas así románticas de hecho.<br /><br />&nbsp;<br />Luis Alvarado</div><div><br /></div><div>Myspace:&nbsp;<a href="http://www.myspace.com/espaciodelala">http://www.myspace.com/espaciodelala</a></div><div><a href="http://www.myspace.com/espaciodelala"></a>Bandcamp:&nbsp;<a href="http://lala.bandcamp.com/">http://lala.bandcamp.com/</a><br />&nbsp;</div>]]>
        
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    <title>Chipmusik Records</title>
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        <![CDATA[El cultivo de la producción de electrónica digital más selecta y subterránea parece seguir haciéndose camino en nuestra ciudad desde los lugares más inusitados. Hace poco comentábamos, a propósito de la presentación de Alcaloide en las Audiosesiones, el trabajo de Chip Musik, una pequeña productora musical que cuenta con diversos músicos del interior del país y que busca ir posicionándose en la escena alternativa de Lima.&nbsp; Dándonos un breve paseo por su myspace hemos podido comprobar la existencia de un material reciente e interesante, abierto para la libre descarga. Material a tomar en cuenta&nbsp; dado el enorme interés y la tenacidad&nbsp; con la que se produce dicha música en nuestra escena. 3 Ep's sobre los que vale la pena detener la atención.<br /><br /><br />
		
	

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</div><br /><br />Si hay algo que caracteriza de manera general a la apuesta estética de Chip Musik es sin duda su interés por conseguir experiencias de sublimidad en la escucha con sus producciones musicales. Julio Dávila ya sabía de ello en Corazones en el espacio y vuelve incursionar en la propuesta desde este nuevo proyecto de electrónica que lleva por nombre Sky No Limit. Nuevamente tenemos - desde el título- la imaginería de la grandilocuencia, de la infinitud en los elementos naturales, tratando de prefigurar conceptualmente el sonido del disco. Gris y Eyes in the dark son sin duda dos piezas más que resaltantes en el conjunto de los temas: la primera, una mezcla de ambient y minimalismo que nos recuerda mucho a la geométrica intensidad de los paisajes sonoros de Axel Willner; la segunda,&nbsp; un drum and bass de una velocidad superlativa- casi inverosímil- pero con un manejo de la mezcla tal que permite que el marcado de sus compases sea extremadamente sutil durante toda la sesión. Sumado a ello, un complejo juego con las texturas de sonido acompañando la sesión rítmica, generando una atmósfera envolvente a lo Fennesz u Oval en el Wohnton.<br /><br /><br />
		
	

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</div><br />&nbsp; <br />Lo de Dante Izaguirre ya había sido de lo más sorprendente que nos trajera el recopilatorio Misión Oroya de Discos Invisibles con su tema Dormitorio Lunar. En esta ocasión, su proyecto Xtredan vuelve a brillar con luz propia de entre sus pares de Chip Musik records.&nbsp; El EP Fly incursiona en sesiones cargadas de cadencias rítmicas tendenciosamente lentas, emulando la estética de una gran marcha fúnebre con elementos de sonido digitales.&nbsp; My World es una suerte de suite de psicodelia&nbsp; minimalista que&nbsp; marcará la pauta temporal del disco y servirá como introducción a Renovatio, una delicada&nbsp; manipulación de disonancias que acaecen a lo largo de casi 14 minutos de repetición de una misma secuencia rítmica. Este impresionante comienzo del disco buscará ser contrastado posteriormente con sesiones bastante más intensas como las de Fly y Atomic Love, en los que se apela a un tempo un tanto más acelerado, pero siempre con una lógica cíclica como base de la propuesta.<br /><br /><br />
		
	

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</div><br /><br />Semilla Galáctica es el nombre del proyecto de Oscar Cirineo, quien también tocara en la banda Cleopatra y el proyecto- también de la Oroya-Colores en Espiral. Lo de su Ep será más bien una propuesta electrónica bastante más sobrecargada por capas de sonidos y por una velocidad que tirará más al breakbeat y el glitch. Allá los 4 Hero y Syndrone sean de lo más cercano que podemos encontrar hacia esta propuesta, la cual resaltará por la complejidad en la estructura de los temas, así como por la obsesiva manipulación de sampleos a lo largo de las sesiones. Metafísica y Sueño de máquinas son piezas que resaltarán sin dudas por la contundencia de las propuestas, así como el tema Recuerdos del origen, que cuenta con la participación en la remezcla de Alcaloide. El cierre del tema incorpora una frenética manipulación de los cortes en el sonido mediante distorsiones de sonido que hacen pesar el tema entero como una falla en una la sintonía de una frecuencia radial.<br /><br /><br />Más información y descarga de los discos:<br /><br />www.myspace.com/chipmusikrecords<br /><br /><br />José Carlos Loyola &nbsp;<br /><br /><br /> ]]>
        
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    <title>Animal Machine y dos reediciones de Audición Irritable</title>
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    <published>2010-07-08T20:46:10Z</published>
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<br /><br /><b>NRYY / Animal Machine <br />Kif Recording, 2010<br /><br />Audición Irritable / Animal Machine<br />Delete Yourself<br />Kif Recording, 2010<br /><br />Audición Irritable / Takashi Ohkawa<br />En la lucha por la destrucción melodiosa<br />Core Records, 2009</b><br /><br />El noise se ha convertido, desde hace ya un buen tiempo, en un universo lleno de ramificaciones. Y no todo es igual aunque suene parecido. El noise tiene diversas genealogías. Quizá sea el harsh noise el que mejor exprese la radicalidad de este tipo de música. Pero aún así, el harsh noise tiene también, por lo menos, dos líneas claramente definidas. Están por un lado aquellos artistas inspirados en el industrial de fines de los 70s (es decir en Throbbing Gristle, SPK y la Industrial Records) y el power electronics de principios de los 80s (es decir en Whitehouse, Mauricio Bianchi, Ramleh, Le Syndicat, el primer Merzbow y la Broken Flag Records) que tienen en común una forma de abordar el sonido ajeno a los planteamientos del rock y recogen técnicas de la música concreta y de la experimentación electrónica en un plan más bien bruitista y escatológico para evacuar compulsivas masas de sonido distorsionado y agresivo. Sus gráficas, cuando no aluden a asesinos en serie o rollos ocultistas, se llenan de parafernalia médico quirúrgica y porno escatológico. Abyección pura. <br /><br />Muchos han estado vinculados al mundo del arte más radical y sus referencias han estado en las vanguardias del siglo XX (futurismo, dadaísmo, William Burroughs, accionismo vienés, etc), y no es raro saber de exposiciones dedicadas y de performances en galerías de arte. Por otro lado, están aquellos que se inspiran en todo aquello que vino después de que Napalm Death publicará su legendario "Scum" (1986) y de que un grupo como Carcass inundara de vísceras las portadas de sus discos, es decir toda la arremetida noisecore y grindnoise de bandas como Seven Minutes of Nausea, Deche-Charge, Sore Throat, Anal Cunt, Audición Irritable, etc. Este grupo de ruidistas ha estado más vinculado al mundo del hardcore, vale decir funcionan, pese a la bulla de su música, bajo planteamientos del rock.<br />&nbsp; <br />Esto hasta cierto punto, porque en la actualidad es posible encontrar cruces de toda índole (en buena cuenta gracias al noise japonés que ha sabido canibalizarlo prácticamente todo: grindnoise, psicodelia, industrial, improvisación vocal, electroacústica, free jazz, etc). Sin embargo para quienes están muy metidos en esto los polos son reconocibles y hay quienes únicamente escuchan power electronics y otros a quienes únicamente les interesa todo lo que suene a grindnoise. Hay fanzines especializados para cada uno de estos géneros.&nbsp;<div><br />El caso del peruano radicado en Polonia, Ernesto Bohórquez es particular. Es justamente lo que diríamos una de esas nuevas encarnaciones que el noise asume en la actualidad, libre de cualquier tipo de pedigree. Iniciado en el mundo del hardcore con SdH hacia mediados de los 90s ha desarrollado una serie de proyectos musicales ruidistas (Aatmaa, Animal Machine, Teknocannibaal, Chupacabras, Fosil, etc) ya instalado en Europa, moviéndose sobre referentes que van de la reivindicación del grindnoise, al anfetaminico ritmo del gabber y el imaginario cyberpunk propio del rock y el techno industrial. En Polonia ha sacado adelante su propio sello llamado <a href="http://www.myspace.com/kifrecording">Kif Recording</a>&nbsp;(no confundir con un homólogo sello francés) con el que ha estado publicando de manera artesanal discos en cdr y en casette así como también para descarga gratuita, tanto de sus proyectos personales como de otros artistas. Entre sus más recientes producciones se encuentran dos splits de los que nos ocuparemos a continuación.<br />&nbsp;<br />El número 72 del catálogo de Kif Recordings corresponde al split entre el japonés <a href="http://www.myspace.com/nryy">NRYY</a>&nbsp;y <a href="http://www.myspace.com/kshayaath">Animal Machine</a>. NRYY presenta el track "Wake Up", que se mueve entre el harshnoise y el sonido cósmico característico de mucho del llamado japanoise que ha sabido confundir/llevar a la psicodelia hasta límites de extremo sonido. Los momentos de ecos y oscilaciones en las que interviene (¿o se samplea?) una guitarra eléctrica con un blues cósmico son de lo mejor de este track de exactamente 14 minutos con 22 segundos. Por su parte Animal Machine presenta "Chaosmonger" que es harshnoise del más violento que uno pueda imaginar, en plan Merzbow o Incapacitants, sonido automatista catárquico que no está dispuesto en ningún momento a ceder espacio a la tranquilidad. Un escupitajo de violencia sonora que aporta su grano de arena a esa masa ruidista construida como consecuencia de la democratización de la tecnología: muchos jóvenes en todas partes del mundo, como alguna vez ocurrió con el punk, hacen ruido con sus laptops sin importar nada. Una tribu que se diversifica a través de net labels y myspaces y puebla la red de carpetas con altas frecuencias de las que ya casi nada podemos decir. Residuo del residuo hecho expresión, en la repetición parece hallarse el gusto. El estado de trance e inmersión y alienación mental/corpórea que puede producir el ruido gusta. Y mucho. <br />&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; <br />La referencia 68 de Kif Recording, por su parte, corresponde al split entre los legendarios ruidistas peruanos <a href="http://www.myspace.com/audicionirritable">Audición Irritable</a>&nbsp;y Animal Machine, y lleva por título "Delete Yourself". Audición Irritable fue un dúo que integraron Miguel Tipacti (batería) y John Cruz (guitarra y voz), muy influidos por Seven Minutes of Nausea. Son, como también el peruano Atrofia Cerebral, uno de los grupos más importantes del grindnoise a secas. "Delete Yourself" rescata su cuarto demo "Incomprensión Humana" (1991), grindnoise visionario, que voluntaria o involuntariamente (que importa) parece invocar al viejo espíritu del minimalismo drone. La guitarra, tocada casi por inercia de manera improvisada, flota sobre la envolvencia de efecto de delay que consume una voz ininteligible, gutural y horripilante, a la vez que somos hipnotizados por la monótona y permanente batería de Tipacti. Una verdadera joya que atrae tanto como repele. Animal Machine, por su parte, incluye un track titulado "Diving Thru", atronadora masa de harsh noise que parece graficar con su sonido algún tipo de desastre natural, un huracán, un tsunami, todo a la vez. Una inesperada secuencia rítmica convierte al track en un singular techno ruidista. Seguidamente aparecen un par de remezclas. "Incomprensión Humana (Voodoo Version)" altera la frecuencia siguiendo un patrón rítmico de modo que el grindnoise de Audición termina convertido en una suerte de loop hipnótico.<br />&nbsp;<br />Hay otro split más que ha sido editado recientemente y que recoge un demo de Audición Irritable. Se trata de "En la lucha por la destrucción melodiosa" (2009), nombre del sexto demo de Audición, aparecido en 1991, y nombre también de este split en donde los peruanos comparten crédito con el ruidista, proveniente de Holanda, aunque al parecer oriundo de Polonia, <a href="http://www.myspace.com/ultraextrememastification">Takashi Ohkawa</a>. El split ha sido editado por la disquera rusa <a href="http://www.myspace.com/corerec">Core Records</a>, que tiene ya un extenso catálogo de discos de noise y que se ubica en el polo ruidista de la línea noisecore y grindnoise. Los artistas de harshnoise que promueve recogen la estética grind y gore (a lo Carcass) y usan la voz horripilante (es el caso de Takashi Ohkawa).<br />&nbsp;<br />Pero como dije, el harshnoise es ya un género caníbal, promiscuo, todo lo consume, pues en el mundo del ruido todo se ha mezclado. Y así como Takashi Ohkawa se nutre del grindnoise y reivindica a Audición Irritable, entre sus temas podemos encontrar perfectos ejemplos de power electronics e industrial que bien podrían haber sido incluidos en el extenso catálogo de la bizarra Broken Flag. La impureza ha triunfado. Y hay aún mucho ruido que está por venir.&nbsp;&nbsp;&nbsp; &nbsp;<br /><br /><br />Luis Alvarado <br /><br /><br /> </div>]]>
        
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    <title>Audiosesión No Laptop_V1.0  25/06/10</title>
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    <published>2010-07-02T23:11:45Z</published>
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    <title>Más Hardware: Entrevista a Dante Gonzáles</title>
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    <published>2010-06-30T20:22:42Z</published>
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</div><br /><i>Hablar con Dante Gonzáles es conocer más de la compleja historia de la electrónica de Lima. Sumado a un inmenso conocimiento de equipos analógicos, sus palabras son una valiosa fuente de anécdotas interesantes para viajar en el tiempo y conocer de cerca las vicisitudes de la escena en los ochentas y comienzos de los noventas. Aunque se desarrolla principalmente como productor, tiene una larga trayectoria en distintos proyectos musicales que van desde la experimentación más básica con samplers y sintetizadores hasta la producción y post producción de techno dance. Inversor de mente, Estación perdida, El hangar de los mecánicos, son algunos de los nombres de sus proyectos a lo largo de estos años. Entramos a su cuarto en un segundo piso del distrito de Lince y nos recibe con un impresionante estudio con una gran cantidad de sintetizadores, moogs, cajas de ritmos, vocoders... un auténtico museo de instrumentos vintage perfectamente conservados y en plena actividad productiva. No puede sino hablarnos de ellos con mucha estima y nostalgia. "Esto lo usaba Tangerine dream, Klaus Schulze, Rick Wakeman...antes habían todos estos instrumentos y no era difícil comprarlos en Lima. Recuerdo que cuando era más chico, durante mucho tiempo me quise comprar un sintetizador analógico que vendían en Colmena;&nbsp; este estuvo ahí exhibiéndose durante casi 4 años antes que me lo comprara. No era caro. Creo que la gente había decidido no interesarse en estos instrumentos y aprovecharlos. Ahora todo ha cambiado bastante". Dante y su impresionante setting de equipos se presentará este viernes 25 en las audiosesiones de la Sonoteca con su nuevo proyecto 16 pasos. Acá parte de nuestra conversación con él sobre su nuevo proyecto y algunos datos de interesante erudición en electrónica.</i><br /><br />&nbsp;<br /><b>¿Cuéntanos Dante, quépropuesta nos traes con tu nuevo proyecto 16 pasos, en qué consistirá tu performance este viernes?</b><br /><br />Lo definiría como un compilado de cosas que he venido haciendo en los últimos años y que me animé a ejecutarlas en directo, usando los equipos con los que originalmente fueron creados. Hay temas nuevos, de los que pensaba sacar un CD compilatorio, artesanalmente, para distribuirlo y postearlo libremente. Hay temas que son nuevos y otras cosas que son de maquetas que hice en el 2000. Me gusta hacer con ellas dance, pero sobretodo lo que me gusta más es concentrarme en la síntesis de sonido: usar sintetizadores y generar colores con ello. Si tuviera que definirlo.. Idm&nbsp; podría ser tal vez, incluso Minimal Techno podría denominarse ahora. ¡Hay tantos nombres ahora!. Yo te diría música electrónica y nada más. Así de simple.<br /><br /><b>Si suena, digamos, como algunos de tus proyectos anteriores, alguien podría decir que tu sonido podría sonar techno&nbsp; pero con un sonido más bien ochenteno que otros.<br /></b><br />No se la verdad... es bastante ambiguo. Muchos sonidos ochentenos se podría decir que han resurgido ahora.&nbsp; Creo que para pensar bien en ello tienes que tener en perspectiva dos cosas: tienes un solo instrumento (el sintetizador) y tienes dos épocas distintas, treinta años de diferencia. Es decir, se ha usado un sintetizador para crear un sonido en el 81 y se usa el mismo sintetizador para crear sonidos en el 2010, aunque tal vez el sonido más fuerte, más agresivo,&nbsp; más&nbsp; "experimental" se podría decir. Un&nbsp; ejemplo clásico de eso es Depeche Mode. El primer álbum de Depeche Mode, fue hecho usando sintetizadores monofónicos y hacían sonidos muy simples: miraban el manual y trataban de sintetizar un piano. Ahora para sus últimos discos hacen sonidos mucho más abstractos que los de esa época, y usando los mismos aparatos. Creo que el sonido del sintetizador analógico ha perdurado por todo este tiempo.<br /><br /><b>¿Tu dirías entonces que en discos más actuales de Depeche Mode como el Playing the Angel, así como en otras movidas de electrónicas más actuales se conserva un mismo sonido?<br /></b><br />Son las mismas máquinas. El acid house, el movimiento techno surgió de mover varios controles al mismo tiempo, algo que a la gente no se le habría ocurrido en los 81,&nbsp; en los setentas, que es la épocas en las que aparecieron estas máquinas. Todo lo que pasó en Alemania, en Detroit, era usar esas máquinas como se podía. Era por lo general gente que no sabía usar los equipos y experimentaba con las perillas. Esos efectos de sonido que se consiguieron ahí han marcado las movidas dance. Usando efectos de sonidos usados en los 70s el instrumento se ha posicionado nuevamente en la actualidad, es como si se hubiera abierto una posibilidad para que los músicos nuevos hagan carrera usando máquinas antiguas.<br /><br /><b>Supongo que, por lo que nos cuentas,&nbsp; eres tu también un músico autodidacta. ¿Lo eres también a nivel de producción?</b><br /><br />Si, lo soy. Mi primer sintetizador fue analógico y tuve que aprender a manejarlo solo. A nivel de producción de post producción también. Leo bastantes revistas como Future Music, voy a estudios siempre, aprendo como trabajan por allí. Siempre es bueno aplicar los consejos que te dicen los demás, lo que puedes observar de otros,&nbsp; pero al final uno siempre aprende solo. Tienes que experimentar con las cosas, así es este proceso. En realidad, la producción&nbsp; no tiene un único parámetro, para todos. Es cuestión de encontrarlo uno mismo<br /><br /><b>¿Qué referencias tenías en tus comienzos de&nbsp; grupos de la escena local? ¿Tenías algunos grupos referentes, artistas que te motivaron a conocer más de las máquinas?</b><br /><br />Fui a un festival llamado Síntomas de techno, en&nbsp; La Cabaña creo que en el 1990&nbsp; En esa época tenía 14 años, estaba en tercero de secundaria, y recuerdo que fui con mi madre. Recuerdo que salió un reportaje en La República que se llamaba "Los tigres del tecno", la tengo por ahí guardada. Allí estaban&nbsp; Nosotros No, Ensamble, Reacción, Déckadas, T de cobre... Todo eso me inspiraba. Yo escuchaba esos grupos. Vi eso en vivo y me dije que eso era lo que quería que hacer. Fue como si me dijera "Esto es lo que yo escucho y esto es lo que quiero hacer". Me marcaron bastante, fue muy estimulante.<br /><br /><b>¿Tuviste contacto con los subterráneos? ¿Te interesaba el rock.?</b><br /><br />Poco, pero siempre he tenido contacto. Compraba mis cintas en Colmena, y varias veces he ido a El Heco, en Santa Beatriz con Eric Bullón, otros amigos,&nbsp; era bastante cerca a donde vivo. En realidad me gusta mucho la filosofía punk, autogestionarse, el hacerlo tu mismo. <br />&nbsp;<br /><b>Es, como nos decías, el modo como tú mismo desarrollaste tu música.</b><br /><br />Es una filosofía productiva. Por ejemplo veo ahora a los Emo y veo que es gente muy romántica, muy susceptible, pero me parece que no aportan nada. Hay gente de los ochenta que hasta ahora tiene algo porque seguir, porque siguió esa línea de producción. A los emo los veo mucho en órbita, muy perdidos. La escena en general la veo bastante disgregada. A comienzos de los 2000 habían festivales como Laberinto Sonoro había Medios Nómades, no veo eso ahora. Recuerdo que en esa época me gustó mucho Ertiub, me pareció muy interesante su propuesta musical y visual. Tenía un contenido, algo para pensar un poco. Me parece que los grupos ahora han perdido mucho eso de denunciar, decir&nbsp; algo, se quedan en meras imágenes ácidas, para alucinar, no para pensar.<br /><br /><b>Hablando de eso ¿Qué nos dices de Inversor Demente, podríamos ver a Dante Gonzáles volviendo algún día a esa onda más experimental, tal vez más profunda a nivel de pensamiento?<br /></b><br />Inversor Demente era mi lado más experimental. Era básicamente grabar una maqueta con un sampler y un órgano pequeño, esa era la escuela. La propuesta fue más que todo un noise industrial hecha con Eric Bullón,&nbsp; Sadomasters, Antonio Chávez y otra gente de esa época. Tenemos muchas cosas grabadas, en esa época era mucho más sencillo grabarlo en cintas. Creo que podría volver en algún momento, sacarlo en algún momento y tocarlo en vivo.<br /><br /><b>¿Dirías que hay alguna propuesta musical actual que influido en tus últimas producciones?</b><br /><br />Considero que siempre es bueno escuchar música y siempre de todo. De grupos musicales de electrónica de acá me gusta Theremyn 4. Me gusta lo que hace Renzo Ortega en Nueva York. Me pareció interesante también lo que hacía Electro Z- aunque no es electrónica- me pareció bastante novedoso. 5 esquinas, me parece bastante interesante la fusión también.<br /><br /><b>Para terminar y con respecto a las nuevas propuestas tiradas más a la fusión. Tu mismo desarrollaste una propuesta algo distinta, de mezcla entre electrónica y música de danzantes de tijeras. ¿Qué te parece la opinión de alguna gente que considera que mezclar como lo hiciste en algún momento instrumentos folklóricos y sonidos electrónicos puede resultar ser oportunista? Tuvo bastante acogida.</b><br /><br />Si, hubo un documental en televisión. Yo lo hice básicamente por un encargo, para el festival Contacto. Pero me pareció bastante interesante jugar con las danzas de tijeras. Me di cuenta que la música esta hecha rítmicamente en cuatro cuartos. ¡Es un ritmo totalmente techno! Así que se podía jugar con los&nbsp; beats&nbsp; y me pareció interesante. Creo que si hubiera querido, se hubiera podido hacer dinero desarrollando más ese estilo, esa etiqueta pero simplemente no era mucho mi nota. Hay otros que lo hicieron después como Miki Gonzáles y Jaime Cuadra, pero no me pareció nada bueno.<br /><br /><br />José Carlos Loyola<br /><br />Myspace:<br /><br />www.myspace.com/dantegonzales<br /><br /><br />
		
	

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    <title>De vuelta al hardware: entrevista con Carlos Vásquez</title>
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    <published>2010-06-24T19:40:14Z</published>
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    <summary>Carlos Vásquez es una figura clave en los inicios y en el desarrollo del techno en el Perú. Conversamos extensamente con él, como antesala al concierto que realizará este viernes 25 en el Centro Fundación Telefónica, con su nuevo proyecto...</summary>
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Conversamos extensamente con él, como antesala al concierto que realizará este viernes 25 en el Centro Fundación Telefónica, con su nuevo proyecto Operacional junto a 16 Pasos</i>.&nbsp;</div><div>&nbsp;&nbsp;<br /><b>Cuéntame de los inicios de tus proyectos musicales. Antes de hacer Unidad Central formaste Círculo Interior. ¿Tuviste algún otro proyecto previo o fue Círculo Interior tu primer proyecto?&nbsp;</b><br /><br />Bueno por esa época, 87, 88 escuchábamos Kraftwerk, Pachin y yo, los que integramos ahora Unidad Central, íbamos al Nirvana, la Helden, al Bix Pix, pero lo más interesante por esa época fue que apareció un grupo llamado T de cobre, con Martín Ponce, por el 88-89, que es muy conocido. Para nosotros era muy difícil tratar de imaginarnos música electrónica o techno porque no había propiamente las herramientas, si tu buscabas un teclado lo que encontrabas era un casiotone que no es malo pero no era precisamente el tipo de sonido que nosotros buscábamos pero de alguna manera T de cobre había solucionado eso porque tenían un amigo que tenia un estudio y tenia buenos teclados. Recuerdo que una vez hubo una fiesta y fuimos a hablar con Martín al estudio, que era el estudio de Martín Figueroa, entonces hablando con el pata y nos decía que alquilaba su estudio, entonces quedamos en que podíamos ir a ensayar allí. A raíz de eso nos juntamos los 4 y fuimos al estudio donde ensayaba T de cobre.&nbsp;<br />&nbsp;&nbsp;<br /><b>¿Y ustedes no sabían tocar nada imagino?&nbsp;</b><br />&nbsp;&nbsp;<br />No sabíamos tocar nada, incluso Martín me decía "ya, tú tocas de aquí para acá nomás". No nos dejaba manipular mucho el teclado. Y así estuvimos todo el 88, practicando, una vez al mes o dos veces por mes, hasta que yo me pude conseguir un Casio SZ-101&nbsp;<br />&nbsp;&nbsp;<br /><b>¿Se podían conseguir teclados fácilmente?&nbsp;</b><br />&nbsp;&nbsp;<br />Los Casio CZ-101 sí, otro tipo de teclados mas interesante habían pero eran más caros. Yo vi en colmena teclados bien bacanes pero que te pedían un mundo de plata.&nbsp;<br />&nbsp;&nbsp;<br /><b>¿Y sintetizadores?&nbsp;</b><br />&nbsp;&nbsp;<br />Era muy extraño, es que era muy caro. Yo en Colmena vi un SAC5 que era un teclado muy bacán pero demasiado caro, me pedían como 1000 dólares y yo estaba en el colegio, así que eso era impensable, decirle a mi papá que me compre una cosa de esas era una locura. Pero bueno, recuerdo que lo que hicimos fue ahorrar algo de dinero y en el año 90 Ricardo Pachín y yo, nos fuimos a Chile con unos amigos, nos fuimos de viaje por tierra y buscamos en los periódicos y compramos unos teclados. Él se compró el CS15 y yo me compré un Yamaha IS 200, que era inmenso, la gente decía qué es eso, parece una nave espacial, simplemente era un teclado de 5 octavas y síntesis FM básico. Con esos tres teclados, mas el Casio y una caja de ritmos una TR 505 armamos ese proyecto, Círculo Interior. Si mal no recuerdo hemos viajado en enero y hemos vuelto en marzo y ya teníamos nuestros propios teclados, pero digamos que uno o dos años antes ya habíamos estado practicando con los teclados alquilados donde Martín, entonces fue una progresión. Ya en los 90s podíamos armar nuestros conciertos.&nbsp;<br />&nbsp;&nbsp;<br /><b>Con quiénes tocaban por entonces&nbsp;</b><br />&nbsp;&nbsp;<br />Bueno el primer concierto que tocamos fue una especie de happening que armaron unos amigos, una cosa bien bizarra, tocamos nosotros y luego tocó Ultimo Refugio, un grupo de Pando, donde tocaba la batería Wayo. Nosotros éramos los teloneros, y era bien interesante porque había gente que diseñaba ropa y la mostraban y fue bien bacán, fue en San Borja. De ahí hubo otro concierto en la No Helden que justo la habían cerrado y la volvieron a abrir en el 90. Después había conciertos que organizaba José Galicio, donde tocaban todo tipo de grupos subterráneos y nos invitaban y tocábamos.&nbsp;<br />&nbsp;&nbsp;<br /><b>¿Alternabas mucho con la movida subterránea? Además de T de cobre ¿Qué otros grupos te interesaban?&nbsp;</b><br />&nbsp;&nbsp;<br />Algunos, no iba a estos conciertos de hardcore como los que se hacían en Lince, jamás iba a un concierto de hardcore ni en Lince ni en Barranco por lo general iba a conciertos mas new wave que eran en Lima. Habían grupos interesantes, uno que se llamaba En nombre de la rosa, donde recitaba Plastikk, Ivan Esquivel. Y en ese mismo grupo también tocó un amigo que tenia otro grupo llamado Refugiados creo, que era new wave, bien interesante y bueno daba vueltas la misma gente, tocaban en otros grupos. Pero no es que iba a conciertos hardcore. Esa vez que nos invitó José Galicio fue un concierto que se organizó en la peña Helden, o sea el Helden quedaban en una esquina y en la parte de adelante donde vendría a ser el edificio quedaba la peña y fue bacán, incluso José Galicio vende una grabación donde incluye un tema de nosotros que fue de ese concierto. Y bueno después se organizaron algunos conciertos más en La Casona de Barranco, esos los armó el che Luján. Era una serie de conciertos y entre ellos hubo una fecha que era electrónica, tocamos nosotros, Ensamble y creo q otro grupo más, creo que Reaxxion. Y no sé siempre había tocadas, íbamos cuando nos pasaban la voz y a veces también organizábamos nosotros nuestros conciertos.&nbsp;<br />&nbsp;&nbsp;<br /><b>¿Y sentías que había un público para la música electrónica?&nbsp;</b><br />&nbsp;&nbsp;<br />Lo que pasa es que por lo general uno le pasaba la voz a sus amigos entonces estos pasaban la voz y así iban amigos de amigos de amigos que no iban a ver al grupo tal sino que se armaba un tono y ya está, era una cosa así, hasta hora es así, es lo mismo nomás que a principios de los 90s. De ahí tocamos hasta el 92 que Pachin se va de viaje a España y de ahí volvimos en el 95-96.&nbsp;<br />&nbsp;&nbsp;<br /><b>Cuéntame un poco de este concierto Síntomas de techno en el 90, realizado en La Cabaña, que catalizó un poco estas inquietudes que había por el techno.&nbsp;</b><br />&nbsp;&nbsp;<br />Fue una cosa muy interesante juntar a 6 grupos que hacían de alguna manera música electrónica, algunos más electrónicos que otros pero todos podían caer en el estilo de música electrónica. Fue bien interesante. Si bien nosotros ayudamos al pata que lo organizó, con la onda del afiche y alguna otra cosa más, él fue quien se encargó de juntar a los grupos de los que yo no sabía. Conocía&nbsp; a Ensamble y a Renzo de Cuerpos del deseo, conocía a dos o a tres y el resto no sabía quienes eran.&nbsp;<br />&nbsp;&nbsp;<br /><b>Claro pero de hecho no todos los grupos eran electrónicos sino que eran de rock que usaban teclados. Por el título del concierto, Síntomas de Techno, da la sensación como que anticipaba algo que iba a venir.&nbsp;</b><br />&nbsp;&nbsp;<br />Si, bueno, tienes razón por esa época no se decía música electrónica sino techno precisamente por Kraftwerk, entonces la gente decía techno y metían desde Kraftwerk a Depeche Mode. Pero claro, por ejemplo Nosotros No, el grupo del Buitre, tocaban batería y era rock con toques electrónicos. En el caso de Ensamble era completamente electrónico, el caso de Reaxxion era completamente electrónico, el caso de nosotros también. El título era Síntomas de Techno pero no todos eran techno, como el caso de Déckadas, que era como new wave o el caso de Contacto, que era un grupo totalmente extraño, que no sé lo que hacían era una especie de rock nada más.&nbsp;<br />&nbsp;&nbsp;<br /><b>El cantante tenía un polo de Duran Duran, tenia un sonido 80s. Lo que identificaba a los grupos es que todos tenían al menos un teclado, hasta Déckadas tenia un teclado.&nbsp;</b><br />&nbsp;&nbsp;<br />Claro, ahí tocaba Juan Ramos y el tuvo un grupo electrónico también llamado Paralelo AB.&nbsp;<br />&nbsp;&nbsp;<br /><b>Sí, pero yo he escuchado a Paralelo AB en grabaciones pero no recuerdo que fuera electrónico.&nbsp;</b><br />&nbsp;&nbsp;<br />Bueno, yo no los oí pero he hablado con Juan Ramos y él me ha dicho que había mucho trabajo de teclados. Supongo que también debe haber tenido una batería, un bajo y una guitarra. Todo esto es un testimonio de esa época.&nbsp;<br />&nbsp;&nbsp;<br /><b>¿Tú ves a los grupos de techno como una movida alterna a la movida subterránea o fue algo sólo de unas veces?</b>&nbsp;<br />&nbsp;&nbsp;<br />La mayoría de grupos tocaban y me parece que armaban sus propias tocadas entre ellos, en el caso de nosotros era así, como que la música no se mezclaba mucho con otro tipo de cosas subterráneas como el hardcore o el punk porque a ellos no les interesaba mucho nuestro rollo igual que a nosotros tampoco el de ellos entonces no se mezclaba, de alguna manera era otra movida.&nbsp;<br />&nbsp;&nbsp;<br /><b>Tú no podrías decir que eran parte del rock subterráneo.&nbsp;</b><br />&nbsp;&nbsp;<br />No pues, yo creo que no, no éramos muy parte del rock subterráneo. Pero definitivamente en algunos conciertos organizados por otras personas terminábamos tocando con grupos subterráneos clásicos.&nbsp;<br />&nbsp;&nbsp;<br /><b>Porque el caso de T de cobre por ejemplo sí es un grupo integrado al rock subterráneo, incluso tiene un discurso político.&nbsp;</b><br />&nbsp;&nbsp;<br />Pues sí un poco lo que pasa es que en la época en que tocaba Martín la única manera de tocar era tocar en conciertos de rock subterráneo, además Martín conocía a mucha gente y terminaba tocando en buenos conciertos y se terminaba haciendo algo interesante pero aun así no creo que perteneciera completamente a todo el rollo subterráneo o contracultural, si sus temas tenia mucho de política, en sus conciertos el ponía slides de guerra, de soldados pero no lo tomaba desde el punto de vista contracultural sino mas bien estético, su música como era EBM, iba bien con ese rollo de la Swat, y los servicios secretos y militares y paramilitares y además la música que hacía era fuerte así que podía funcionar en esos conciertos de hardcore.&nbsp;<br />&nbsp;&nbsp;<br /><b>Había un grupo previo que era Disidentes&nbsp;</b><br />&nbsp;&nbsp;<br />Claro, hubo un concurso, el concurso no profesional de la peña Helden, en que tocó Martín con disidentes pero no fui a esa fecha, fui a la de voz propia. Pero recuerdo que los de martín me contaron que era tipo neubaten, tiraban piedritas. Algunas veces me encuentro con el amigo de Martín, Raúl Mondragón, que era del grupo, y me ha contado también sobre Disidentes. Digamos que esos dos proyectos de Martín fueron la semilla para la música electrónica de acá.&nbsp;<br />&nbsp;&nbsp;<br /><b>¿Y tú tenias referencias de otros grupos o artistas de música electrónica aquí?&nbsp;</b><br />&nbsp;&nbsp;<br />Bueno nosotros teníamos bastante la influencia de Arturo Ruiz del Pozo que ya en esa época había hecho lo de Markahuasi, si bien no era techno era new age, pero en esa época le llamaban techno a Depeche Mode pero también a Kitaro y hasta a Jean Michel Jarre, que eran new age. Y bueno nosotros íbamos a varios conciertos de Arturo Ruiz del Pozo, si bien había en su música instrumentación nativa, como antaras, bombos,&nbsp; había también un gran componente new age en su música a través de su teclado y eso era una influencia muy fuerte. Y mientras íbamos a ver a T de cobre íbamos también a ver a Arturo Ruiz. Era una época interesante, si tu querías buscar encontrabas cosas. Nuestras principales referencias fueron Arturo Ruiz del Pozo y T de cobre.&nbsp;<br />&nbsp;&nbsp;<br /><b>Los 80s eran una época muy intensa, muy activa, estaban los subterráneos, había un montón de movida cultural, pero luego en los 90s todo como se vuelve un desierto hasta el 95 o 96 que todo vuelve a reactivarse, también por cuestiones económicas. Cómo sientes tu eso porque cuando ustedes se vuelven a juntar de nuevo, con unidad central la cosa se ha organizado, ha crecido, empieza a haber más movida para lo que ustedes hacían.&nbsp;</b><br />&nbsp;&nbsp;<br />Es cierto, es que en esos años hubo una serie crisis económica, a final del gobierno de Alan García tu no podías traer cosas del extranjero, comprar dólares, tu no podías traer discos del extranjero, era como una especie de encierro cultural. Y en los 90s desapareció el rock, no solo los subtes sino todo el rock, para el 92 no había nada, lo que era Barranco en el año 90 que hemos tocado muchas veces en el 92 no había nada, por ahí de vez en cuando habían los conciertos de Gerardo Manuel en La Casona, era lo único, otro tipo de manifestación no había, los problemas económicos barrieron con todo, entonces todo el mundo tuvo que ponerse a estudiar o a trabajar. Y claro lógicamente después en el año 95 o 96 que también regresó Pachin de España nosotros volvimos a armar el grupo con las misma gente, el problema es que tocábamos los mimos 4 con el mismo nombre Círculo Interior en algunas fiestas, y bueno también uno de los integrantes se fue y por eso cambiamos de nombre al proyecto y le pusimos Unidad Central y de paso con eso dejábamos todo los 80s atrás, si bien nos interesaba Kraftwerk ya no nos interesaba Gary Numan en esa época ni Jean Michel Jarre sino que estábamos en la onda del acid house y el techno Detroit, estábamos en un cambio de generación y eso coincidió con el cambio de nombre, era otro tipo de música, éramos tres personas, y en esa época la gente estaba saliendo de los problemas económicos en Lima y era un momento en que las cosas sucedían.&nbsp;<br />&nbsp;&nbsp;<br /><b>También es la época en que aparece Insumisión, Kollantes, hay varios electrónicos, Iván Esquivel con su video de Plastikk.&nbsp;</b><br />&nbsp;&nbsp;<br />Claro, Insumisión apareció por esa época en el 96-97,&nbsp; también tocamos con Ensamble con Teco System, apareció Iván Esquivel con su video que era bien interesante y por esa época aparece Jonny con Kollantes y no se si ese año o el que sigue aparece Theremyn_4, entonces si se armó una escena, comenzaron a suceder cosas y la gente iba.&nbsp;<br />&nbsp;&nbsp;<br /><b>Había esto que se hacia en la discoteca Mamut, en el Blue Budha que hacían conciertos electrónicos.&nbsp;</b><br />&nbsp;&nbsp;<br />Lo que pasa es que ahí estaba un pata que se llamaba Serge que tocaba una música electrónica con su flauta.&nbsp;<br />&nbsp;&nbsp;<br /><b>El de Acid Hamelin...&nbsp;</b><br />&nbsp;&nbsp;<br />Exacto pero creo que se había separado de Acid Hamelin y era solo Serge pero en el piso superior tenían una zona donde hacían raves, ponían techno y todos los géneros de música electrónica dance y fue el catalizador de toda la escena de grandes raves que hasta ahora existen en Lima.&nbsp;<br />&nbsp;&nbsp;<br /><b>¿Cuando llegaron las raves a Lima?&nbsp;</b><br />&nbsp;&nbsp;<br />Que yo recuerde en el 96-97 estaba solo el Blue Budha, de ahí recuerdo que el mismo Frank y el otro pata Nucleus que trabajaban ahí o tenían que ver con la administración, comenzaron a hacer sus fiestas porque sabían que el Mamut lo iban a cerrar y ahí se empezaron a generar esto con DJ extranjeros porque ahí en el Mamut solo tocaba Nucleus y Hugo Bossio y algún DJ que de cuando en vez caía porque venia de visita.&nbsp;<br />Pero cuando cerraron el Mamut se dieron cuenta que había gente que pedía este tipo de eventos.&nbsp;<br />&nbsp;&nbsp;<br /><b>Pero en un momento ya empezaron a hacerse a gran escala, empezaron a irse al sur</b>&nbsp;<br />&nbsp;&nbsp;<br />Si ya de ahí la cosa devino en un super negocio y esta bien pero a mi no e interesaba ir a Mamacona a ver a 50 DJs, me parecía extenuante.&nbsp;<br />&nbsp;&nbsp;<br /><b>No te interesaba esa escena para Unidad Central.&nbsp;</b><br />&nbsp;&nbsp;<br />Hemos tocado en bastantes fiestas rave. Íbamos a tocar en una fiesta que venia un DJ Keoke q era conocido en esa época, que iba a ser en el Mamut, íbamos a tocar en toda la nave central del Mamut y yo estaba súper contento porque era la parte principal pero justo ese día cerraron el Mamut así que los organizadores hicieron la rave en Costalinda que esta entre Barranco y Chorrillos y ahí se hizo la fiesta. Y así como esa tocamos en varias, en el Maria Angola que vino este pata Dimitri y en algunas más nos invitaron pero digamos que era más fácil traer a dos DJs extranjeros que poner a un grupo peruano que te pide a b c d.&nbsp;<br />&nbsp;&nbsp;<br /><b>Algo que me llamó la atención fue que ustedes aparecieron en estas compilaciones que salieron con El Comercio, las que hizo Pedro Cornejo de Historia del rock peruano y ahí incluyó un tema de ustedes, y eran el único grupo electrónico que aparecía allí, digamos que la inclusión me hizo pensar que habían adquirido ustedes ya cierta representatividad. Además que creo fueron el primer grupo techno que edito aquí un cd.</b><br />&nbsp;&nbsp;<br />Si fuimos el primer grupo techno que editó un cd. Por esa época hubo un buen movimiento mediático, salimos en la portada de somos, en un programa de Magali TV, salimos en varias cosas que surgieron del interés de la gente y como que se armó una escena interesante. Lo de Cornejo es cierto, antes de ese proyecto que se llamaba Crónicas del rock peruano, hizo un proyecto anterior no sé si era bichos raros u otro pero en esa compilación íbamos a salir nosotros pero el problema es que nuestro material estaba en un soporte que para él no era fácil de transferir, nosotros teníamos un minidisc y el quería una dat, yo le dije que tenia que tomarme unos días para pasarlo en un estudio y él me decía que ya no se podía que estaba cerrado el proyecto así que no entramos por esa cuestión de formatos y el tiempo pero lo bueno fue que luego nos incluyó en ese otro proyecto que hizo en El Comercio y el es un critico de rock y un investigador de rock y nos tenia presentes como una expresión más de lo que sucedía aquí.&nbsp;<br />&nbsp;&nbsp;<br /><b>De hecho era una época interesante para la escena en Lima, ha ido en crecimiento porque ahora la escena electrónica, digamos la escena de las raves ya es una industria, no tan grande como otros países pero está como estabilizada y están sus movidas de gente como el colectivo Auxiliar, La casa ida, hay como gente interesada por el techno. Pero ustedes han dejado de tocar y ahora tu estás tocando con tu proyecto solista Operacional.&nbsp;</b><br />&nbsp;&nbsp;<br />Si, hay dos cosas separadas, hay uno que es las grandes raves y ese rollo, yo no me siento muy identificado con eso, porque es bacán pero es culpa de los organizadores que no quieren incluir a grupos. Por ejemplo en el concierto de Depeche Mode pusieron a un grupo peruano que era excelente. En la última Cream creo pusieron a José Gallo, pero son cosas puntuales. Si hay buenos proyectos por qué no ponerlas. Me parece que traen a diez DJs que son buenos pero porque no poner cosas acá? Hay dos cosas divididas, nosotros como Theremyn y otros grupos que tocamos en lugares más pequeños, y hay las grandes raves que tocan en lugares grandes y tienen todo muy planeado y no cambian nada salvo que la gente se lo pida.&nbsp;<br />Y sí, nosotros ya no tocamos desde el 2005 que tocamos en Fundación Telefónica y de ahí tocamos dos o tres meses, ahorita yo tengo trabajo, Ricardo también tiene sus cosas y Willy también entonces no conseguimos el tiempo para tocar, entonces está como en stand by por no decir que está concluido. Actualmente me resulta más fácil tocar solo mis propias cosas. Por ejemplo en algunos conciertos el año pasado tocaba yo solo con Ricardo, entonces de lo que éramos tres terminábamos tocando 2 y de ahí yo solo, no porque la gente no quiera sino que tenían cosas que hacer, y para mí no era dable tocar yo sólo como Unidad Central porque el asunto del proyecto era tres personas y cada uno hacia una parte entonces para canalizar mis inquietudes sonoras tengo este proyecto que&nbsp; llamo Operacional que vengo trabajando ya hace algunos años, no desde el punto de vista de las canciones sino del armado. Si bien cuando empezamos en el año 90 nuestro sistema de trabajo era muy hardware, en esa época conectar una computadora o un teclado no era algo al alcance de cualquier persona, incluso el interfaz midi era extraño. Nosotros usábamos el interfaz midi para conectar nuestra caja de ritmos y teclados estábamos descubriendo el valor de la tecnología. Entonces pasar de esa época en la que todo era analógico, de ahí fuimos pasando en el año 2000 a usar cien por ciento la computadora y componíamos todo el arreglo, tu podías poner play y la computadora hacia todo, era interesante porque te quitaba muchas variables que manejar pero como que se perdía algo en el camino, y eso siempre ocurre, de cierto tipo de teclado a otro vas perdiendo cosas. Entonces Operacional era regresar a lo primero que hicimos completamente manual hardware, desde ese punto de vista mas interactivo, no tanto experimental porque me gusta mas ceñirme por cuadriculas y formas pero sí me interesa que pueda ser variable en el tiempo, y que de alguna manera a través de una improvisación no sea lo mismo.&nbsp;<br />&nbsp;&nbsp;<br /><b>¿Improvisas los temas o tienes algo pauteado?&nbsp;</b><br />&nbsp;&nbsp;<br />Tengo un treinta por cierto hecho y luego arrojo cosas encima. Desde ese punto de vista es más divertido. Si yo pongo mi laptop a correr el live y subir y bajar volúmenes es interesante pero ya después de hacrlo 4 o 5 veces un poco que estás en el mismo rollo y un poco se podría mejorar, pero mi rollo digamos ahorita es alejarme un poco de la computadora y manejar algo hardware que me permita una interacción más física, ese es mi interés actual.&nbsp;<br />&nbsp;&nbsp;<br /><b>Me recuerda un poco mucho el synth pop, a esto que le llaman cold wave, de los 80s que es bien austero, es bien minimal y tiene muco de Kraftwerk también.&nbsp;</b><br />&nbsp;&nbsp;<br />Si es cierto, al regresar a un método de trabajo que surgió en los 70s y se usó en los 80s y ya en los 90s y en los 200 se perdió, como que regresar a ese método te hace trabajar mucho con arpegios y cajas de ritmos que te remiten a techno de los 80s, si escuchas un clásico tema de Human League, escuchas una caja de ritmos y un teclado y dices suena muy bueno pero por lo general lo que hacía Human Leage o la mayoría de grupos era tomar unas secuencias y como que siempre iban por un camino, lógicamente si yo retomo la misma forma de trabajo mi camino se acerca al de ellos; si bien yo trato que no suene igual puede remitir a las cosas de los 80s pero eso es en mi casa en el caso de Dante Gonzáles, por ejemplo, él si quiere sonar como el año 1982.&nbsp;<br />&nbsp;&nbsp;<br /><b>Y tienes planes de hacer una edición formal&nbsp;</b><br />&nbsp;&nbsp;<br />Podría ser, con Dante hemos tenido la intención de grabar cosas y armar un compilado, pero para empezar tendría que grabarlo, a lo mejor en el concierto de Fundación podemos conectar algo para grabar y de ahí puede surgir algo.&nbsp;<br />&nbsp;&nbsp;<br /><b>¿Tienes algún otro proyecto a futuro, conciertos más adelante?&nbsp;</b><br />&nbsp;&nbsp;<br />Bueno estaba hablando con la Universidad de Ingeniería porque resulta que Arturo Ruiz es amigo de la persona que gestiona el centro cultural de la universidad, porque la idea es hacer conciertos gratuitos y que pueda ir todo tipo de gente y si bien presentar nuestro proyecto, que en el caso de este concierto de Fundación está segmentado al no uso de computadoras, también invitar a gente que usa computadoras, la gente que nos parece interesante en estos momentos y esa es la idea, armar algo y ver que sucede.&nbsp;<br />&nbsp;&nbsp;<br />&nbsp;&nbsp;<br />Luis Alvarado&nbsp;<br />&nbsp;&nbsp;<br />&nbsp;&nbsp;<br /><br />Más información:&nbsp;<br />&nbsp;&nbsp;<br />http://nolaptopv10.blogspot.com/<div><br /></div></div>]]>
        
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    <title>Xelenque</title>
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    <published>2010-06-11T21:42:24Z</published>
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        <![CDATA[<br /><a href="http://www.flickr.com/photos/49409684@N04/4691289225/" title="concreta por Sonoteca / Centro Fundacion Telefonica, en Flickr"><img src="http://farm5.static.flickr.com/4003/4691289225_9f12ab1848.jpg" alt="concreta" height="356" width="390" /></a>

<br /><br /><br />Xelenque<br />Concreta para todos<br />Achokcha records<br />2009<br /><br />Un clima sonoro sublime, una pesadilla Hi-fi hecha de noise estilizado, cuidadosamente mezclado para sonar más que estridente. Sonando de fondo, el sampleo de jadeos humanos y una risa frenética que no deja de golpear en los oídos una y otra vez. Bajos que explosionan acompañando la escena, saturando el espacio, emulando la estética hiperreal de una película de ciencia ficción en Dolby Stereo. La risa suena aún más fuerte. Se ahoga con su propia saliva. De pronto, un rompimiento de tiempo y espacio tremendo, casi ridículo, en el que se apela al sonido orgánico de una guitarra electroacústica. La armonía comienza clara, suena a muchos lugares comunes del Indie británico. No se queda merodeando allí mucho rato: se torna sucia, distorsionada. Todo estaba escrito por sus autores para terminar en un power pop a la Dinosaur Jr. o Archers of Loaf absolutamente inesperado.<br /><br />"Las decisiones repercuten en la física desconocida del futuro, al evocarlas invaden el subconsciente con visiones donde estos hechos son fantasmas. XELENQUE es puesto a prueba en su nuevo habitad finalmente asume"<br /><br />La descripción se cierra abruptamente en este shock de ininteligibilidad. Ella viene en el interior textual del propio disco, al costado de los créditos. XELENQUE, en efecto, es el nombre de esta suma de inquietudes. Vienen del Cusco, tienen su propia disquera -a la que llaman Achokcha records- y su nombre proviene de un legendario personaje de los relatos populares de la región quien habría acabado en el purgatorio luego de haber sido un héroe en vida. El tema descrito anteriormente se llama AM 10 y corresponde a lo que, a nuestro entender, es&nbsp; lo más interesante que trae esta producción consigo.<br />&nbsp;<br />El disco no es sino una&nbsp; deliberada experiencia de anacronismo abusivo. En 1948, Pierre Schaeffer crea un estudio en París donde se gesta la propuesta de la "música concreta". Al complejo despliegue técnico de Luigi Russolo en la creación musical se le asigna desde entonces un fin aparentemente sencillo: componer a partir de ruidos -no más de notas-&nbsp; con la operación y destrucción de cuanto implemento electrónico se cruzaba en el camino. Este disco llega a nuestras manos bajo el pretencioso título de ser también "concreta", esta vez, "para todos": como si se tratara de una entrega que desde su dependencia a diversos territorios comunes de la estética digital en el sonido buscara conservar&nbsp; el espíritu de la complejidad de la composición y la singularidad del sonido que caracterizó a los grandes maestros de la experimentación electrónica de comienzos de siglo.&nbsp; Así, por ejemplo, los últimos cuatro temas están estructurados como una misma sesión, los tres diseñados como una suerte de mini-opera de electrónica concreta dividida en cuatro movimientos distintos. Las dos primeras, "Polvo y Gas" y Lucysoundsystem" nos hablan desde un lenguaje ambient finísimo en sus detalles, un comienzo de texturas de sonido casi imperceptible, para luego sumergirse en una melodía de sintetizadores que emula la belleza clásica de los primeros discos de Kraftwerk. "En la nueva era de la electrónica" entra de repente en escena -perfectamente remixeada y ecualizada-&nbsp; para dedicarse a arrancarnos la somnolencia de las pulsaciones anteriores mediante secuencias de Idm. No pasa mucho tiempo hasta que un loopeo comienza a acompañar la sesión, un loopeo de una voz radial que repite frenéticamente que estamos, efectivamente, "en la nueva era de la electrónica". La cosa termina finalmente con "Inmensidad y eternidad", una última sesión en la que se apela tanto al ambient como a los fraseos de jazz. Un silencio la separa esto último de lo que parece ser&nbsp; una suerte de track escondido: una pequeña e intensa experimentación electrónica al modo de Pierre Henry en sus "Investigations".<br /><br />La historia- casi una mitología del absurdo y la auto inspección psicotrópica-se encuentra igualmente en el interior del disco. Merece una lectura detenida, sobretodo en sus momentos más álgidos de distorsión en las figuras literarias. Parece tratarse, lejos de toda linealidad narrativa, de una suerte de coincidencia feliz entre el viaje transmundano de un héroe mitológico cusqueño y el viaje- sin duda real- del personaje mitológico que los propios XELENQUE encarnan en el sonido su disco. Todo un desafío a la escucha y más. <br /><br /><br /><br />José Carlos Loyola<br />&nbsp;<br /><br />www.myspace.com/xelenque<br />&nbsp;]]>
        
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    <title>The Dada Man</title>
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    <published>2010-06-04T20:22:35Z</published>
    <updated>2010-06-04T20:34:03Z</updated>

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<a href="http://www.flickr.com/photos/49409684@N04/4669526087/" title="thedadaman_lg por Sonoteca / Centro Fundacion Telefonica, en Flickr"><img src="http://farm5.static.flickr.com/4009/4669526087_bcd70d24a3_b.jpg" alt="thedadaman_lg" height="506" width="507" /></a>



<br /><br />The Dada Man<br />Notes Toward A Mental Breakdown<br />No Ediciones, 2009<br /><br /><br /><div align="left">Siempre será oportuno volver la mirada al dadaísmo y a su conducta fundamental. Dadá, como nos hizo entender Greil Marcus, inicia una tradición en el siglo XX que abre puertas al letrismo, al situacionismo y al punk. Y claro, a la música industrial. Al desorden, a la anarquía. "The Dadá Man" el nuevo proyecto musical del peruano radicado en Estados Unidos, Marco Rivera, quiere encarnar el espíritu Dadá aunándolo a su propia comprensión del individuo contemporáneo.<br />&nbsp;<br />El gusto por el dadaísmo en Rivera ya estaba expresado en un proyecto anterior llamado Der Hannah Hoch. Y su gusto por los sonidos industriales, el sampleo y la plunderphonia casera habían dado algunos frutos en Jardín Vértigo, el más antiguo de sus proyectos sonoros que data de principios de los 90s.&nbsp; Marco Rivera es autor de un libro de relatos llamado El hombre Cadáver. Ha sido también editor de la revista de música Interzona y actualmente ha lanzado una nueva y muy recomendable publicación llamada Pesanervios, de la que pronto comentaremos más.<br />&nbsp;<br />"Notes a Toward a Mental Breakdown" es sin duda el mayor logro musical de la larga y poco difundida trayectoria musical de Rivera. La riqueza de sus blips, los sampleos de diálogos de películas, las bases rítmicas en plan retro (parece que estamos en 1981), las atmósferas oscuras, los climas dub. Como si mezclaras a Cybotron con el lado más industrial de la cold wave, un poco del geometrismo de los Autechre y algo del My Life in The Bush of Ghosts de Eno &amp; Byrne.&nbsp; El matrimonio de las cajas de ritmo y el dub debe ser tal vez uno de los recursos más explorados en los últimos años o que más visibles se han vuelto en los circuitos alternativos con artistas como&nbsp; Black Dice, The Bug, etc. Ese gran eco que se extiende desde aquí y nos lleva imaginariamente hasta algún lugar en el espacio y el tiempo.<br />&nbsp; <br />"The Overloaded Man" creo que sintetiza lo que podemos encontrar en el disco. Puede ser el hombre saturado una imagen característica de estos días. Saturado de imágenes, de propaganda, de estímulos. La reacción a eso es un gran collage sin sentido, un gran random que expresa la saturación informativa que no acabaremos de procesar, que se nos queda en los ojos, como un latigazo.<br />&nbsp;<br />Un título como "La Ficción como Rama de la Neurología" no es menos significativo. Donde se han extinguido las fronteras entre la realidad y los artificios, entre lo virtual y lo físico, entre nuestras pesadillas y nuestras realidades, entre el hombre y sus deseos y su paranoia, no parece quedar otra alternativa. Lo absurdo es la única gran salida y es ahí cuando The Dada Man, armado de retazos y sin sentido, sale a la luz.&nbsp;&nbsp;&nbsp; <br /></div><br /><br />Luis Alvarado<br />&nbsp;<br />Ver video de<br />Why I Want To Fuck Ronald Reagan<br /><a href="http://www.youtube.com/watch?v=t6jphj0w9ew">http://www.youtube.com/watch?v=t6jphj0w9ew</a><br />]]>
        
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    <title>ALCALOIDE SENSATIONS</title>
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    <published>2010-05-27T21:55:23Z</published>
    <updated>2010-05-27T22:02:14Z</updated>

    <summary> Alcaloide Sensations Chip Musik (2009) El denominado glitch music es uno de esos géneros problemáticos, perfectos para atender con cuidado a la exquisita heterogeneidad de la música electrónica. Más que una simple etiqueta, el término parece ser en sí...</summary>
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        <![CDATA[<a href="http://www.flickr.com/photos/49409684@N04/4645474703/" title="alcaloide por Sonoteca / Centro Fundacion Telefonica, en Flickr"><img src="http://farm5.static.flickr.com/4025/4645474703_64e8123676_m.jpg" alt="alcaloide" height="232" width="240" /></a>

<br /><br /><br />Alcaloide
<br />Sensations
<br />Chip Musik (2009)

<br /><br /><br />El denominado glitch music es uno de esos géneros problemáticos, perfectos para atender con cuidado a la exquisita heterogeneidad de la música electrónica. Más que una simple etiqueta, el término parece ser en sí mismo un juego de semejanzas interminable: hablamos con él de aquellos que, como los célebres Pita y Bernard Guenther, aspiran a la delicada construcción del ambient a base de minimalismo digital; de aquellos quienes aspiran más bien a la experimentación emuladora de la música concreta como los Matmos o los Tone Rec; de aquellos quienes se dedican, desde la saturación de efectos,&nbsp; al cultivo de los ritmos del dub y drum and bass&nbsp; como Sutekh y los&nbsp; Autechre....<br /><br />El sonido de Sensations (2009) busca ser experimentado de principio a fin, como una suerte de piel, de dermis inteligente que nos comunique y nos contagie, con su tacto, de esta historia de&nbsp; encuentros felices y obvias discontinuidades en la experimentación de la tecnología digital. Una historia de genios en la composición que no puede agotarse jamás en la búsqueda erudita de los estilos comunes; una historia en la que, en nuestra escena, el nombre de Alcaloide se inscribe como el nombre de un&nbsp; autor dotado de una personalidad única. <br /><br />Oriundo de la ciudad de La Oroya, Alexander Fabián Gómez formó parte de la escena que armaran desde mediados de los noventas proyectos como Colores en espiral, Corazones en el espacio y Xtredan.&nbsp; Músico enteramente autodidacta, es también fundador de Chip Musik, un sello de música emergente&nbsp; en el que se están editando las grabaciones de dichos artistas de La Oroya así como recibiendo otras propuestas de provincias en sus estudios. <br /><br />Sensations es, como era de esperarse, una de sus principales entregas, y es a la vez un disco que se nos presenta como una pieza extraña, de una compleja&nbsp; legibilidad. Una portada hecha al pulso de una vivencia, que juega con una cromática de pasteles desteñidos y letras dislocadas, parece ser el perfecto preámbulo de las sensaciones (valga la redundancia) que se hacen carne en la escucha. La aparente sencillez ingenua de la composición física del disco constituye un señuelo preciso para introducir sin previo aviso, una experiencia sensible de una intensidad tremenda. El disco se inicia con Heart Avant Garde, una intro con secuencias barrocas a la que se le impone una vorágine de discontinuidades en las texturas de sonido, un acompañamiento de teclados en la creación de melodías etéreas y a la vez, un uso de samples que logran hacer de este primer tema una infatigable inspección onírica. La frenética cadencia rítmica de este arranque se distiende con una auténtica epifanía dance que lleva por nombre Simbiosis Aoel, una joya de la rítmica Idm de nuestro medio. A partir de allí, el disco parece estructurarse como una misma sesión con conceptos más claros y obvios hasta el final. Temas como Preinsminación y Más allá del cielo gris redondean lo que es sin duda alguna una media hora de ininterrumpido derroche de talento en la composición y en la producción de electrónica experimental hecha en casa. La pauta inicial la marca una canción que parece arrancar desde la industrial , pero que volverá a recaer en la Idm. El nombre: Coco Cielo, una canción homenaje al desaparecido artista, cuya razón resulta ser, más que la historia de la creación de una oda, la historia de un enigmático azar. Cuenta el propio Alcaloide que el tema tenía ya por nombre la referencia a otra idea, igual de glamorosa: Cats. Sin embargo, en el mismo día en el que estaba siendo creada, Cocó Cielo estaba siendo asesinado en su casa en Madrid. El título no pudo ser otro: Alcaloide reconoce siempre en sus conversaciones a los Silvania como una de sus bandas favoritas y una de sus influencias principales en la composición. La muerte de Cocó, como a muchos de los pertenecientes de su entorno, lo afectó profundamente. <br /><br />En resumen, ante el disco de Alcaloide,&nbsp; se logra estar como ante una penetrante gama de sensaciones que se actualizan al momento de la escucha y al pensar simultáneamente sus conceptos fundamentales. No podía ser de otro modo. Se trata de un trabajo manual con la tecnología puesto en marcha por&nbsp; un auténtico escultor de ruidos estilizados y de significantes vinculados a ellos. Se trata de la aparición de una novedosa propuesta sonora que busca comprometer todo nuestro cuerpo como órgano sensitivo y nuestros pensamientos como residuos de ello. Se trata, finalmente, de propuestas de sonido de otros rincones de los&nbsp; hemisferios que han sido problematizados, no por su semejanzas y desemejanzas estilísticas, sino por la singularidad de sus efectos en los receptores de la propuesta. Podemos dar fe de ello: entre nosotros, tenemos a un enigmático pasajero de una contaminación socio-industrial que se sabe distinguir a sí mismo de entre las propuestas más interesantes de la electrónica contemporánea.<br /><br /><br /><br />José Carlos Loyola<br />&nbsp;<br /><br />&nbsp;

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    <title>Audiosesion - Circuito Trifásico - viernes 28 mayo - 7:00pm</title>
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    <published>2010-05-24T16:52:17Z</published>
    <updated>2010-05-24T16:53:20Z</updated>

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    <title>Música para el cambio, entrevista al conjunto LiPiBRePe</title>
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    <published>2010-05-23T19:08:08Z</published>
    <updated>2010-05-25T21:13:52Z</updated>

    <summary> Los integrantes del Lipibrepe se han propuesto sacudir el ambiente musical de nuestra capital. Sus carteles incluyen obras de LaMonte Young, Steve Reich, Terry Riley, John Cage, Xenaxis, además de composiciones propias y sesiones de improvisación libre. El grupo...</summary>
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        <![CDATA[<p><em>
<form class="mt-enclosure mt-enclosure-image" mt:asset-id="114"><img class="mt-image-center" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 20px; TEXT-ALIGN: center" height="375" alt="3822985759_9050e0eaa2.jpg" src="http://centro.fundaciontelefonica.org.pe/blogs/sonoteca/3822985759_9050e0eaa2.jpg" width="500" /></form>Los integrantes del Lipibrepe se han propuesto sacudir el ambiente musical de nuestra capital. Sus carteles incluyen obras de LaMonte Young, Steve Reich, Terry Riley, John Cage, Xenaxis, además de composiciones propias y sesiones de improvisación libre. El grupo lo integran jóvenes instrumentistas y compositores peruanos. Ya han realizado varios conciertos con buena respuesta del público y están demostrando que con entusiasmo y mucho talento se pueden hacer grandes cosas. Conversamos con dos de sus fundadores, el destacado clarinetista y compositor Marco Mazzini y el también compositor y guitarrista Sadiel Cuentas.&nbsp;&nbsp; <br /><br /></em><strong>¿Cuéntenme qué es exactamente este conjunto LiPiBRePe, cuándo se forman y cuál es la idea que está detrás? </strong></p>
<p><br />Marco Mazzini: fue en julio del año pasado. Yo vine entonces, en teoría por un mes y medio pero me quedé tres meses. Yo soy miembro del Círculo de composición del Perú (Circomper) desde hace años y siempre decía que teníamos que tener una página web. Entonces conversando con Sadiel le dije que iba a hacer un concierto y los fondos servirían para hacer la página web. Nos sentamos en un Kentucky y vimos qué obras se podían tocar, para clarinete, hay esta, la otra, y de repente me dijo porqué mejor no hacemos un concierto de improvisación libre. Ah ya, entonces mejor hacemos esto, hacemos un ensamble y en dos días ya estaba el grupo, empezamos a llamar a amigos y todos con esa actitud de hacer música y pro fondos para el Círculo de composición. Empezamos a ensayar donde mi hermana y así hicimos nuestro primer concierto en el CAFAE. <br /><br />Sadiel Cuentas: Claro, estábamos haciendo una colecta para la página web, se había juntado algo pero faltaba, entonces esto era un suplemento. Hicimos un concierto en el CAFAE y luego hicimos uno en el Ricardo Palma que fue más libre.<br />&nbsp;<br />MM: Claro, ese fue más para mostrar lo que habíamos hecho. Allí presentamos la obra de Steve Reich, "Clapping Music". Entonces sin querer, con la energía del grupo nació LiPiBRePe, de lo que se trataba era de sembrar la idea de improvisación libre que un poco faltaba sembrar acá en Lima, que era algo que yo hacía en Bélgica, donde todos los miércoles en un bar me juntaba con varios músicos a tocar hasta las 3 o 4 de la mañana. Y eso me parece algo bonito que quisiera hacer acá. Luego de la presentación, el grupo quedó ahí, pero hubo una vibra. Yo ya sabía que tenía&nbsp; guardado regresar aquí al Perú, para quedarme por lo menos tres años. Inmediatamente les dije reiniciamos. Y ya, acá nos ves. Somos 12 músicos ahora, vamos a ser 16, y son esas dos cosas: la improvisación libre siempre y difundir la obra de compositores importantes, obras que han marcado historia y que nunca se han tocado en el Perú, me interesa más eso que tocar una obrita pequeña aquí y allá. Me interesan obras de Steve Reich, Terry Riley, Xenaxis, Lutoslawski, que no son obras que se toquen mucho aquí en el Perú, eso no quita que a la larga no haya otro proyecto de música peruana, yo personalmente toco mucha música peruana.<br />&nbsp;<br />SC: Ahí hemos coincidido con Marco cuando pensamos en el proyecto, en tener una relación con el público distinta a la relación tradicional, supuestamente la música clásica contemporánea, qué sé yo, es una cosa súper seria y todos tienen que estar encamisados, tiesos, qué se yo, y queríamos hacer una cosa distinta con el público y un poco también ahí está el espíritu del nombre LiPiBRePe, porque viene de la palabra libre pero también viene de este juego de intercambiar las sílabas con la pe, la pa, etc. entonces la idea es no sólo hacer la música sino también tener una dinámica de juego y por eso nace la idea de esta pieza que hemos hecho siempre, la de la varita mágica, donde alguien del público dirige a los músicos.<br />&nbsp;<br />MM: En este caso fue al revés fue cómo involucro al público, y salió de maravilla. La gente se alucina con esa obra.<br />&nbsp;<br />SC: Es interesante porque nunca sabes quién se va a subir<br />&nbsp;<br />MM: Y ahí está la improvisación no tienes idea de qué va a pasar.&nbsp; <br /><br />Por otro lado, la idea del ensamble es también hacer algo didáctico.&nbsp; Aquí hay músicos buenos pero este tipo de música lo confronta, entonces todo el programa que estamos viendo es progresivo es un proceso para los músicos para que no se sientan frustrados o bloqueados, que no puedo tocar esto. <br /><br />SC: Es un proceso formativo <br /><br />MM: Mayormente en los ensayos empezamos con unos cuarenta minutos de técnicas de improvisación, como un taller, y después viene el ensayo en sí, porque necesito que los músicos&nbsp; suelten, conozcan, que dialoguen, una de las cosas que hemos visto es que hagan un solo y luego opinamos y así todas las cosas que yo he aprendido afuera. Y funciona de maravilla, la gente responde, y poco a poco empiezan a hablar este lenguaje que necesito que dominen a la larga. Hay que tener cierta madurez dentro de este lenguaje para poder emitir algo honesto, cualquiera puede hacer ruido pero la honestidad para mí, en este tipo de música, se da cuando sé que ya no estoy diciendo nada, entonces mejor me callo. Para un músico es dificilísimo, pero uno aporta&nbsp; más si mejor no toca. O de repente cuando estoy tocando y me pregunto ¿que estoy haciendo? ¿dejo de tocar? porque lo que estoy haciendo es bulla, estoy interrumpiendo, la idea es ser consciente de eso. <br /><br /><strong>Recuerdo que el año pasado en el festival de música clásica contemporánea del&nbsp; Centro Cultural de España, noté que se estaban presentando bastantes músicos, compositores jóvenes y en las presentaciones que hacen ustedes&nbsp; están presentando composiciones propias. Desde su perspectiva ¿cómo encuentran la composición en el Perú, en términos de relación con la tradición, relación con lo contemporáneo, otros aspectos? ¿cómo la encuentran?</strong> <br /><br />SC: Yo diría dos cosas. En relación con las generaciones anteriores hay una explosión. O sea porque las generaciones anteriores, si uno habla de la generación de José Sosaya, de José Carlos Campos, son poquitos en número y creo que a partir de los 80s ahora hay una explosión, hay montones de compositores y no solamente eso sino que gracias a los alcances de la tecnología hay otra escena que es una escena experimental no necesariamente relacionada directamente con el conservatorio, y tienen la oportunidad de hacer sus discos, tener su myspace, hay movimiento ahí, hay esa explosión. Pero por otro lado yo siento como si la cosa estuviese contenida. Hay mucha gente que está escribiendo, qué se yo, pero no hay un montón de conciertos, ni están&nbsp; estrenos, ni quizá los compositores estén haciendo tanto sus páginas webs personales, entonces hay un potencial ahí que no está destapado, quizá se necesitan iniciativas como esta para mover más el ambiente, como las otras que ha habido en el festival para mover más el ambiente y se empiece a descubrir todo ese potencial escondido. <br /><br />MM: A mí me gustaría ayudar a que se de esa explosión. Si hay compositores que quieran escribir para cuarteto de cuerdas, acordeón y clarinete bajo, si no tienen los intérpretes van a escribir lo que ellos creen que va a sonar, si no ha escuchado el concierto en vivo, ni las posibilidades de hacer cuatro tonos o glissandos, si no tiene el material sonoro se hace todo más teórico. Tendrá que esperar que algún día que lo estrenen aquí o en el extranjero cuando él no va a estar. Pero si tienes un ensamble estable y eso queremos que sea LiPiBRePe, entonces cualquier compositor puede venir a trabajar con nosotros y tener ese sonido inmediato, probar, leer. Por ejemplo, un mes de lectura para determinadas composiciones que no estén necesariamente terminadas, pero llegas y ves "esto no funciona y esto, que tal si hacemos esto" pero tienes ahí tu orquesta a la mano. Eso me parece muy importante, eso va a ayudar a que esta explosión vaya por un grado mucho mayor. Porque Sadiel incluso está como compositor en el ensamble y él me dice que es otra cosa, el haber escuchado, experimentar este tipo de música, y eso es lo que me hace sentir bien, a pesar de Sadiel tener mucha experiencia todavía se pueda sorprender. <br /><br />SC: La otra cosa que es interesante, es que claro, claramente el Perú está en un momento especial por la cuestión de la economía y el renacimiento del bienestar de la sociedad peruana por lo menos en algunos sectores, entonces es una oportunidad también, y aparte eso coincide con una explosión de información en el mundo, entonces es una oportunidad para que podamos en&nbsp; nuestra sociedad organizar cosas que antes sólo se soñaban en el extranjero. Se soñaba "ah que bacán en París tienen el Ensamble Intercontemporáne"o "pucha como quisiera irme a París" pero ahora tenemos la oportunidad de hacer esas cosas aquí, no sólo LiPiBRePe, hay otras iniciativas, como lo de Pauchi Sasaki por ejemplo. Es un momento muy interesante para construir una vida cultural peruana como la que soñábamos que sólo se podía hacer en el extranjero. En ese sentido quería hacer una convocatoria, es un trabajo que podemos hacer todos los interesados juntos.&nbsp; Es súper bacán la parte que estamos haciendo nosotros pero también necesitamos una respuesta del público, necesitamos que haya la mayor difusión posible y el público que esté interesado en esto tenga el mayor compromiso posible, porque es la oportunidad de formar un público grande y darle un carácter sostenible a estas actividades, lo ideal es que haya una venta de entradas y uno pueda contar con un público. Hay un público interesado, ahorita nosotros podemos proponer como medio que se involucren, si les gusta que traigan más gente a la página web, si hay otras actividades del LiPiBRePe sin música, que vengan que participen, que se involucren en todos los niveles posibles y nos ayuden a construir esto, que por tanto tiempo ha sido un sueño y ahora tenemos las condiciones para que se haga realidad pero si nos quedamos sentados no va a pasar nada. <br /><br />MM: Ganas y energía no nos faltan, estamos poniendo un montón de esfuerzo para que esto camine. Este concierto que viene el 17 de junio hemos invitado a alumnos del Conservatorio, de la Católica,&nbsp; y del Jazz House, hay tantos alumnos dispersos y queremos que se unan. Queremos que LiPiBRePe, que es algo chico pero que sirva para que la gente que está unida por la música se junte. Este concierto del 17 va a tener 3 alumnos de cada institución. Van a estrenar una obra de Rzewski. <br /><br /><strong>Una cosa que la generación de los cincuentas cuestionaba a la generación precedente, la conocida como indigenista, era el hecho de que eran compositores que trabajaban para pequeños formatos, básicamente para piano. Y la idea de esta generación de los 50s es que para ser compositor tenías que saber componer para orquesta. Y lo que siento es que en la actualidad hay pocas obras para orquesta de gente joven, no sé si porque es difícil acceder tal vez a un nivel más oficial como la Orquesta Sinfónica Nacional. No sé cómo es esa relación con la Orquesta Sinfónica u otro tipo de orquestas.</strong> <br /><br />SC: Allí habría que hacer una precisión, yo estuve compilando un catalogo del Circomper y una de las cosas más interesantes de esta generación o de las generaciones contemporáneas de compositores en el Perú es que las composiciones para orquesta han subido bastante. Inclusive no recuerdo sí, con los datos con los que hice ese catálogo en ese tiempo, es el primero o el segundo rubro en número de obras. Entonces se escribe mucho para orquesta y además para un compositor que se forma en Conservatorio y pasa por orquestación y estudio del repertorio sinfónico es imposible no escribir para ese medio. Ahora, lo que es triste es que esas obras se quedan en el papel y no hay oportunidad de estrenarlas y eso está mal y es una de las cosas que hay que cambiar en el Perú. El acceso a la Orquesta Sinfónica es un tema que por muchos años en la práctica se maneja por una cuestión de relaciones personales. Si uno conoce a un director que tiene en alguna fecha puede tener la oportunidad de tener un estreno pero eso no es una oportunidad que tenga un estudiante del conservatorio en absoluto. Y el hecho de que las cosas sean así habla un poquito de una disfuncionalidad dentro de nuestro sistema musical contemporáneo. Porque dentro de las leyes que crearon la Orquesta Sinfónica, y eso está en la tesis de Clara Petrozzi, una de sus funciones está en estrenar música peruana, tocar la música de los compositores peruanos, no recuerdo si hay un porcentaje pero está claramente expresado en la ley que forma la Orquesta que esa es una de sus funciones y eso no se cumple ahora. Y como una manera de suplir esa función es que uno recurre a relaciones personales. Y eso es algo que hay que cambiar, si la idea de tener una orquesta sinfónica es que no toquen compositores peruanos entonces hay que cambiar la ley y si la idea es que sí toquen compositores peruanos entonces hay que cumplir la ley.&nbsp; Ahora, la Orquesta Sinfónica ha pasado recientemente por un proceso de reorganización y hay un nuevo director y hay cosas muy importantes que están haciendo y eso es importante reconocer, dentro de una reingeniería de la orquesta y una voluntad de hacer que alcance un nivel internacional y eso pasa por muchas cosas y una es que domine un repertorio, que es un repertorio establecido a nivel internacional, que es básicamente europeo y eso es importante que se de. Pero también es importante que se contemple dentro del plan de la Orquesta la integración del estreno de obras peruanas como una parte orgánica de su programación anual, tener una cuota, tal vez no este año quizá el siguiente. De cada cien conciertos, 50 deberían tener una obra peruana y un 30% un estreno. Hay montones de partituras ahí que están esperando por ser estrenadas, y es importante que se toque no&nbsp; sólo porque es nuestra herencia cultural, producto cultural de esta generación sino que es importante para que la composición en el Perú pueda alcanzar estándares internacionales, altos estándares, la gente que escribe para orquesta debe escuchar y corregir o reafirmarse en sus sospechas. <br /><br />MM. Y para descubrir a un nuevo compositor <br /><br />SC: Sí, necesariamente. Hay un caso anecdótico de Wagner, creo que escribiendo "Tristan e Isolda", que él escribe y calcula las posibilidades del instrumento ya en base a su experiencia pero qué hubiera pasado si eso no se hubiera tocado, quizá nunca hubiera confirmado su expectativa y de hecho lo que él hizo luego se convirtió en la nueva tradición y eso también puede pasar acá.&nbsp; Claro,&nbsp; también hay que hablar las cosas claras y decirlas de frente, existe el temor que la música contemporánea no es atractiva al público o no está bien escrita, y no es cierto. <br /><br /><strong>Recuerdo que fui a ver una obra de Valcárcel que era para orquesta, era una obra aleatoria, disonante y los violinistas estaban riéndose en la parte que tenían que improvisar.</strong> <br /><br />MM: Sí ellos no lo toman en serio, el público mucho menos. Nosotros hemos tocado La Monte Young, una obra de dos notas, de lo que se trata es poner mi cerebro de esta manera. Como músico solo tienes que hacer una nota, por cuatro o cinco minutos, puedes creer que es aburridísimo, que desperdicio de mi talento pero de lo que se trata es eso, sorprendan al público con eso. Y salió súper bien. Yo estoy orgulloso en ese sentido de los músicos de LiPiBRePe porque tienen la habilidad de decir esto es así. <br /><br />SC: Justo la otra vez vi un video de un tipo que explica cual es la influencia de las redes sociales, no virtuales, sino redes reales. Una red de amigos y como esa red se interelaciona&nbsp; con la tuya y la mía. Este pata había hecho un estudio sobre como las redes pueden ser vehículos de contagio para bien o para mal, y el demostraba con sus estadísticas que, por ejemplo, si tú estás en una red social donde todos son obesos tienes un 25% más de probabilidades de caer en eso, por distintos factores. Pero también son contagiosas otras cosas positivas. Entonces esa es una de las cosas más que tenemos que hacer y eso es lo que LiPiBRePe quiere hacer, el hecho de que se hayan reído en esa obra de Valcárcel, eso es algo que hay que corregir, eso es algo que no queremos para nuestra sociedad ni cultura peruana. <br /></p>
<p><strong>Eso refleja para mí que en ese tipo de espacios no han entrado conceptos más contemporáneos de la música. Si se ríen es porque tal vez no están comprendiendo.</strong> <br /><br />MM: Lo estás diciendo de una manera bien elegante. Yo no me imagino a ningún profesional riéndose mientras hace su labor, es como un médico se ría porque te has cortado. No sé, qué es eso, tú vienes y me atiendes no tienes que burlarte porque me he cortado. Es parecido. <br /><br />SC: A eso yo quisiera agregar, ese momento de la Orquesta Sinfónica es un momento donde claramente en algunos miembros no ha habido una conducta completamente profesional y eso ya no habla ya del estatus de la música clásica contemporánea en el Perú sino del estatus de la música clásica en general en el Perú y quizá el estatus de los músicos en el Perú en ese momento.&nbsp; El que en ese momento no haya habido un comportamiento no profesional no quita el hecho de que no se pueda dar vuelta a la moneda porque no quisiera que estemos hablando ahora y quede como si la Orquesta es poco profesional, simplemente fue un comportamiento de un momento. Y la indicación que estamos haciendo y que es perfectamente posible, y además que ya todos en algún caso hemos tenido esa experiencia, que la orquesta en los momentos en que se sabe llegar a ella, que todos se sintonizan, el comportamiento es el debido. <br /><br />MM: bueno yo tuve la experiencia positiva cuando estrené la obra de Rafael Junchaya, la orquesta tocó increíble. Y con solo dos ensayos. <br /><br />Volviendo un poco a LiPiBRePe, es sembrar también, hay buenos músicos pero a veces me pregunto cuántos de todos los músicos jóvenes y no tan jóvenes, tienen tiempo de estudiar para estrenar una obra nueva, una obra contemporánea. Entonces como no existe esa tradición, todavía estamos muy tradicionalistas y aquí y allá nos dan algo chiquito para tocar, entonces hay ese temor, pero quiero que con LiPiBRePe rompan eso. Estoy seguro que en un año van a tocar cosas nuevas y diferentes, que con toda una carrera no han tenido la oportunidad de empaparse de música nueva. La idea es que sea nutritivo. La obra del francés que vamos a tocar, es totalmente simple pero tienes que tocarlas con números y retroceder, cuándo has tocado algo así, es una manera diferente y ahí va tu concentración, esa obra es especial, es estar mosca y si te pierdes tienes que quedarte perdido, no que me voy con el grupo sino que me tengo que quedar perdido. Todas esas cosas las vamos a ir viendo. Para este año también queremos estrenar una obra de Steve Reich, "8 líneas", para dos pianos, tres cuerdas y dos vientos. Todo es paso a paso. <br /><br />SC: Eso que estás diciendo de darle a los músicos jóvenes la oportunidad de interactuar con música contemporánea y enriquecerse con eso ya está dando frutos. Yo estoy contento con lo que la otra vez hizo Johanna Taboada, que es una chica joven y a ella le tocó improvisar, porque en cada concierto lo que hacemos es que un miembro tiene que improvisar solo, y eso se decide en el momento y le tocó a Johanna y lo hizo muy bien, ella tiene los dedos clásicos, tonales, pero sabe cómo romperlos, y no solo eso sino que tuvo un pensamiento totalmente estructurado, estuvo perfectamente manejado y se nota ya el contagio, la influencia de lo que ha hecho. <br /><br /><strong>¿Y han pensado hacer una edición de un disco?</strong> </p>
<p><br />Es algo que se puede dar, el proyecto que le había propuesto a Sadiel es hacer un disco con obras de compositores que presenten dos obras de máximo un minuto. Que puedes hacer con 30 segundos de música. Tener como cuarenta tracks, pedir composiciones de América, Canadá, etc. Y hacer un disco de solamente máximo un minuto. Lo que quiero es que tengan oportunidad de hacer dos cosas, porque siempre puedes tener ideas contrastantes, entonces puedes hacer algo violento y algo mas despacito. Eso me gustaría hacerlo este año y lo vamos a hacer con composiciones de toda América. <br /><br />SC: También tenemos un proyecto con la página web de la gente de Sequenza 21 <br /><br />MM: Si te fijas es una de las páginas más ranqueadas de música contemporánea, de Nueva York. Ellos hacen una vez o dos veces un concierto en Nueva York. La comunidad busca sus músicos mandan sus composiciones y seleccionan. Yo quería hacerlo en Europa hace años pero no se pudo. Ahora hablé con ellos y lo vamos a hacer en Lima, y es la primera vez que hacen un concierto fuera de Estados Unidos, con obras de ellos. Hay dos compositores que van a escribir exclusivamente para LiPiBRePe, y por eso vamos a hacer tres videos tutoriales, del theremin, el charanguista y vamos a conseguir pronto alguien que toque zampoña, quenas. Para darle un toque peruano al grupo y eso me parece interesante. Vamos a hacer unos tutoriales para que los músicos vean qué pueden hacer y escriban para LiPiBRePe. <br /><br />SC: Esto ya es un proyecto internacional. Yo después de haber leído la historia de Valcárcel siento que podemos pensar que somos como herederos de la actividad que hizo él, de hacer un ensamble de música contemporánea, y fue una cuestión inédita en el Perú y él fue el primero y tuvo su tiempo y ahora nosotros seguimos sus pasos pero también es seguir subiendo la escalera entonces ya no solamente que es el ensamble y que vas a trabajar acá sino que ahora con las posibilidades que hay podemos estar en contacto con gente en Nueva York, y hacer un evento con artistas internacionales en Lima. <br /><br />MM: Cuando pusieron eso en la página de ese portal ya saben que hay un grupo de música contemporánea en el Perú. Y eso lo lee todo el mundo, es bien ranqueado, ha llegado a tanto y más como la pagina de Alex ross del New Yorker. Lo que importa con LiPiBRePe es la calidad. Juntarse a tocar es algo bonito pero LiPiBRePe necesita sonido de ensamble por eso necesitamos regular no solo dos semanas del concierto y ya sino que acaba y seguimos trabajando para tener un sonido compacto, eso creo que no ha habido antes acá, esa continuidad, porque clarinetista, flautista hay por todos lados, los juntas y bien, pero si no han tocado antes música contemporánea no va a salir muy bien, si no tienes pasión va a quedar como algo muy correcto, con LiPiBRePe yo quiero que vaya más allá, sepan improvisar, pierdan el miedo a este tipo de música y cuando toquen, toquen bien, enfoquen la calidad, por eso ensayamos cómo respirar juntos, cómo tocar, todo, todo tiene que estar preciso, que haya calidad, porque sino siento que puedo estafar al público, muchos pueden leer a primera vista pero de eso no se trata, sino qué pasa si hago esto, el otro. Y estamos en ese proceso, que ya empezó y va a dar frutos grandes. <br /><br /><br />Luis Alvarado. </p>
<p>&nbsp; <br /><a href="http://www.lipibrepe.com/">http://www.lipibrepe.com/</a> </p>
<p><a href="http://circomper.pe/home/">http://circomper.pe/home/</a> <br />&nbsp;</p>]]>
        
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    <title>El Paso - Noches eclécticas</title>
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    <published>2010-05-17T21:44:30Z</published>
    <updated>2010-05-19T20:20:21Z</updated>

    <summary><![CDATA[ El Paso&nbsp; Noches eclécticas&nbsp; Dorog Records; 2009&nbsp; En su célebre libro sobre Nuevas tecnologías, música y experiencia, el sociólogo&nbsp;neoyorquino de origen latino,&nbsp;George Yúdice&nbsp;analiza el modo asombroso en el que, en los últimos años, el mercado musical latinoamericano se ha...]]></summary>
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        <![CDATA[<a title="El paso  por Sonoteca / Centro Fundacion Telefonica, en Flickr" href="http://www.flickr.com/photos/49409684@N04/4616350065/"><img alt="El paso " src="http://farm5.static.flickr.com/4052/4616350065_f922147c2d_m.jpg" height="240" width="240" /></a> <span class="Apple-style-span" style="font-size: 16px; color: rgb(0, 0, 0); font-family: Times;">
<p></p>
<p style="min-height: 14px; margin: 0px; font: 12px Arial;"><span class="Apple-style-span" style="font-weight: bold;">El Paso&nbsp;</span></p>
<p style="margin: 0px 0px 16px; font: 12px Arial;"><b>Noches eclécticas&nbsp;</b></p>
<p style="margin: 0px 0px 16px; font: 12px Arial;"><b>Dorog Records; 2009&nbsp;</b></p>
<p style="margin: 0px 0px 16px; font: 12px Arial;"><b><span class="Apple-style-span" style="font-weight: normal;">En su célebre libro sobre <i>Nuevas tecnologías, música y experiencia</i>, el sociólogo&nbsp;neoyorquino de origen latino,&nbsp;George Yúdice&nbsp;analiza el modo asombroso en el que, en los últimos años, el mercado musical latinoamericano se ha diversificado mediante la aparición de nuevos sitios virtuales de libre descarga. Las Net Labels o sellos virtuales han resultado ser aquel espacio sin fronteras, sin restricciones político-económicas, en el que todo nuevo artista musical puede lograr, alejado de los círculos publicitarios de la industria discográfica tradicional, otorgarle a su trabajo una difusión masiva. Estas experiencias son especialmente interesantes cuando se logra encontrar músicos que no sólo logran ser sus propios gestores publicitarios, sino que buscan combinar junto al trabajo de mercadeo, el elevado trabajo de producción, tanto en la calidad de sonido como en las propuestas visuales de sus presentaciones. &nbsp;</span></b></p>
<p style="margin: 0px 0px 16px; font: 12px Arial;">Lima no se encuentra exenta de estas experiencias mencionadas por Yúdice en su libro. Si bien su rango de acción no llega a ser igual de amplio como en otras escenas de Latinoamérica, la rica heterogeneidad de sus propuestas y la singularidad de sus sonidos resultan ser una experiencia más que refrescante en una escena que, por su dispersión y sedentarismo parece querer condenarse injustamente a una suerte de estética del descuido y la autocomplacencia. <a href="http://www.dorogrecords.com/"><span style="color: rgb(0, 0, 255); text-decoration: underline;">Dorog Records</span></a> se une a la lista de estos denodados esfuerzos, difundiendo además de una serie de interesantes producciones de la escena alternativa de Lima como las de Alcaloide, Psicoxtáticos, The Satellites y Xtredan la propuesta de su banda frontal, El Paso. Pensado en esencia como un combo audiovisual en vivo, el grupo está conformado por Giancarlo Samamé y Eduardo Otayza (también Tech Vibes) en los sintetizadores, teclados y secuencias y por Gustavo Gamio en la mezcla de video que acompaña las sesiones. Noches eclécticas (2009) es su tercer disco como parte directiva de Dorog Records y es un disco que sirve de repaso de las&nbsp; propuestas de sonido de sus intervenciones nocturnas dedicadas a ejercicios de electrónica downtempo. Tal vez, sea El Paso uno de los pocos cultivadores del género que hiciera famosos hace unos años a los Thievery Corporation y que han llevado al culmen de su actividad productiva a los G-Stone Records en Austria. &nbsp;</p>
<p style="margin: 0px 0px 16px; font: 12px Arial;">Sin embargo, y haciendo honor al eclecticismo anunciado por su título, el disco busca mostrarse como una propuesta que se mueve con autosuficiencia en una multiplicidad de géneros de la electrónica sin dejar de tener una identidad clara. Juego bastante arriesgado y en el que en algunas ocasiones logra desviar demasiado la atención hacia los que son, a nuestro parecer, los lugares más interesantes del disco. Hay por ejemplo, temas en los que los bajos y los efectos se atreven por momentos a estructuras rítmicas dub con una soltura más que sugerente. Ahí tenemos por ejemplo a "Excelent", un prolijo trabajo rítmico con el sampleo y scratching de una performance vocal de soul de Mariah Ralstone, así como la trip hopera San Cristóbal, que cuenta con la participación de Abril Dulude también en las voces. Existen también propuestas que se atreven incluso a ritmos dance más jadeantes y con un acierto más que excitante, como el drum and Bass y el Idm en temas como "Ahí" y "Voices in my Head", así como a sesiones más a la Richard D. James en "Llévame". Sin embargo, el disco busca incluir en el mismo tracklist temas de otras vertientes adicionales en las que por momentos el disco parece desviarse hacia elementos bastante difícil de compatibilizar: "Trip to Las Vegas" y "Delizia" por ejemplo, suenan más a un electro pop excesivamente lúdico, algo difícil de mezclar con el lenguaje dance de las propuestas anteriores así como con aquellas incursiones más etéreas del disco como el coqueteo por el Jazzanova y la mezcla de samples de World music&nbsp; y muy sencillas armonías de guitarra en "Aterrizaje" y "Until".&nbsp;</p>
<p style="margin: 0px 0px 16px; font: 12px Arial;">En suma, Noches eclécticas nos presenta una sobreabundancia&nbsp; de propuestas distintas,&nbsp; sobreabundancia que parece ser, a la luz de sus varios aciertos y errores, felizmente insana. La suma de esfuerzos por dar una multiplicidad de presentaciones en un mismo disco no deja de acertar en algunas de sus propuestas&nbsp; concretas y sobretodo resalta por lograr alcances interesantes a nivel de sonido y producción.&nbsp; Definitivamente, algo que, con Yúdice, esperamos que sea un efectivo mal presagio del futuro del oligopolio musical.</p>
<p></p></span><br /><br />José Carlos Loyola<br />]]>
        
    </content>
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    <title>Makakinho do amor/Tomás Tello</title>
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    <published>2010-05-07T19:03:56Z</published>
    <updated>2010-05-11T02:55:41Z</updated>

    <summary><![CDATA[ Makakinho do amor Sirvinakuy Jacobino Discos, 2010 &nbsp; Tomás Tello Yacu Independiente, 2010 &nbsp; Imitar la naturaleza ha sido de alguna manera uno de los grandes motores del arte. Ha permitido, si podemos usar esa palabra, su desarrollo. En...]]></summary>
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        <![CDATA[<p><a title="makakinho_front-1 por centrofundacion_telefonica, en Flickr" href="http://www.flickr.com/photos/23426460@N06/4589294705/"><img height="379" alt="makakinho_front-1" src="http://farm4.static.flickr.com/3303/4589294705_bc39b34d8a.jpg" width="379" /></a></p>
<p><br /></p>
<p><strong>Makakinho do amor <br />Sirvinakuy <br />Jacobino Discos, 2010 <br /></strong>&nbsp; <br /><strong>Tomás Tello <br />Yacu <br />Independiente, 2010 <br /></strong>&nbsp; <br />Imitar la naturaleza ha sido de alguna manera uno de los grandes motores del arte. Ha permitido, si podemos usar esa palabra, su desarrollo. En el surgimiento de la música estuvo también la imitación del hombre de los sonidos de su entorno. Y cada cierto tiempo esa imitación vuelve como un retorno a un instante originario. En la tradición de música de vanguardia y experimental hay una estela de creadores subyugados por esa mímesis de la naturaleza. Desde Olivier Messiaen fascinado con el canto de los pájaros, hasta las experimentaciones electrónicas minimalistas de Eliane Radigue (que casi parecían el sonido de una cosa viva), hasta llegar a los actuales Black Dice con su selva electrónica. Tomás Tello se ubica en esa tradición y agrega sus propias sonoridades, una interpretación del paisaje andino, todo procesado desde el eléctrico oído que le da su experiencia como habitante de la urbe. </p>
<p><br />La producción musical de Tomás Tello abarca varios casettes editados de manera artesanal a lo largo de la última década. Pero su trabajo está más definido por la experiencia del vivo, él es en esencia un músico experimental, que ama la sorpresa de la ejecución, de las posibilidades que&nbsp;surjan en la improvisación tanto en solitario como en compañía (ha tocado con músicos como Raúl Gómez de Jardín, Efraín Rozas, Tetuzi Akiyama, Rajivan Ayappan, Emre Svindik, Steve Kaspar y Ganesh Anandan). Tomás Tello se desplaza con igual solvencia de la guitarra eléctrica al uso de casiotones, pedales manipulados y efectos, ha sonajas, quenas y algunos instrumentos percusivos. </p>
<p><br />Radicado actualmente en Luxemburgo, ha ido publicado algunos trabajos que confirman su buen momento creativo. Bajo el nombre de Makakinho do amor publicó con la net label chilena Jacobino Discos, un álbum llamado "Sirvinakuy" que compila diversas grabaciones realizadas durante los últimos diez años y que presentan tal unidad estilística que podemos decir que Tomás tiene un territorio personal, una suerte de paisaje imaginario, cual acuarela impresionista, en el que se (des)dibujan escenas lúdicas y pequeñas historias infantiles. Valga decir, cada pieza de Tomás es una viñeta, una burbuja de la que nacen delicados ruidos confundidos con efímeras melodías de caja musical. Eventualmente el sonido se inclina hacia la contemplación minimalista drone y su búsqueda adquiere cada vez un mayor enfoque ritual, aunque siempre moviéndonos dentro del terreno de lo naif, del garabato perfectamente elegido antes que de cualquier pesada solemnidad. </p>
<p><br />Con "Yacu" (agua en quechua) entramos a un nivel más nítido de mímesis, un trabajo que el propio Tomás lo ha definido en un comentario en Facebook como "un tributo a diferentes aguas". Por agua debemos entender vida, flujo, aquello que está en constante movimiento. De alguna manera es la imagen que bien define la dinámica musical de este artista, para quien el acto en vivo es el lugar donde realmente acontece la música como una experiencia nueva. Alguna vez el músico argentino Alan Courtis decía que no podían repetirse dos notas en el tiempo, que todo lo que escuchamos es siempre diferente, y de ahí que la improvisación sea solo una manera de ser consecuente con el estado mutable e impermanente del sonido. Eso también podemos reconocerlo en la música experimental surgida con John Cage y en su revolución de hacer de la música un arte que pueda imitar el mecanismo de la vida. Pero el agua es también aquí una fuente de inspiración sonora, textural, los líquidos transcurren con su suave sonido, dejando rumor y huella. "Yacu" es un disco en donde lo que oímos parece lejano, como percibir murmullos y descargas eléctricas, fantasmales presencias prehispánicas a gran distancia, sombras y ocultos manantiales que llegan como capturados a lo lejos, imaginados también, como el agua en el desierto, como el espejismo, aquí escuchamos este "canto eléctrico", ese rumor que viene y se va, nos hechiza y se va.&nbsp;<br />&nbsp; <br />Luis Alvarado </p>
<p>&nbsp;</p>
<p>Links <br /><a href="http://www.myspace.com/electrocomborural">http://www.myspace.com/electrocomborural</a>&nbsp;<br />&nbsp; <br />Descargar Sirvinakuy <br /><a href="http://jacobinodiscos.cl/">http://jacobinodiscos.cl/</a></p>
<p>Descargar Yacu <br /><a href="http://www.megaupload.com/?d=7VLKPRKL">http://www.megaupload.com/?d=7VLKPRKL</a><br /></p>]]>
        
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    <title>ENDOTOXIC</title>
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    <published>2010-04-29T19:31:48Z</published>
    <updated>2010-04-29T21:01:00Z</updated>

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        <![CDATA[<p><a href="http://www.flickr.com/photos/49409684@N04/4563389107/" title="ENDOTOXIC por Sonoteca / Centro Fundacion Telefonica, en Flickr"><img src="http://farm4.static.flickr.com/3094/4563389107_0f2bc5119c.jpg" alt="ENDOTOXIC" width="486" height="322" /></a></p>

<p style="text-align: justify;"><a href="http://www.myspace.com/endotoxic">Endotoxic</a> es el nombre artístico de
Jonathan Briceño de Luise. Diseñador gráfico de profesión, es de esos músicos
de electrónica de Lima que se ha interesado por incursionar en ritmos
disociados con el común denominador del minimal techno y la rave.
Adicionalmente a sus presentaciones en diversos festivales y conciertos de la
escena electrónica más subterránea de Lima, tiene una interesante propuesta de
pintura que, como nos comenta, espera algún día poder exponer en vivo con su
música. Tendremos ocasión de verlo como parte del Festival Punto y Raya en
Centro Fundación Telefónica, este viernes 30 de abril, en el que tendrá
oportunidad de combinar su música con las propuestas visuales de la exposición.</p>

<p style="text-align: justify;"><b>A pesar
que los nombres de los géneros son siempre algo odiosos e insuficientes, todo
comentarista de tu música podría asociarte a la electrónica tirada más al Idm,
como los Autechre, lo de Warp Records y principalmente al dubstep que también
se desarrolla en Inglaterra con el sello Hyperdub. ¿Qué dirías sobre esas
clasificaciones?¿Que opinión te
merecen esas escenas de electrónica?</b></p>

<p style="text-align: justify;">La verdad yo intento producir dubstep, y drum n
bass. Pongo INTENTO,por que
realmente intento hacerlo, y finalmente salgo con algo similar. Ah, pero según
yo, no es,suena a mezcla de
cosas. Me gusta mucho el beat del Dubstep, lo uso y lo encuentro tan parecido
al trip hop, dándote esa sensación de oscuridad, energía, y ritmo... Uso
elementos del Idm por que me parecen bien "impares" le dan algo orgánico,
cambiante, pero el sonido en si, es bien "electrónico" (¿raro no?, pero
analícenlo, es cierto). Yo intento separar bien las clasificaciones musicales
solo para la hora del análisis musical, pero al final todo se influencia de
todo en el 2010.Hay una casa en
especial que influenció en mí demasiado desde 1999. <a href="http://www.sonarkollektiv.com/">Sonar kollektiv</a> de Berlín. Amo una
buena estructuramusical, tanto
como una buena ingeniería de sonido y creo que pocas casas son tan especiales
en seleccionar a sus artistas y trabajar su sonido como ellos. Jazzanova es el
grupo que simboliza a esta casa ( y como que son los dueños también).</p>

<p style="text-align: justify;">Mi opinión sobre las calificaciones musicales
que me puedan poner me es un poco indiferente mientras tenga la virtud que aun
escuchen lo que hago.</p>]]>
        <![CDATA[<p style="text-align: justify;"><b>¿De donde
proviene el nombre Endotoxic? Me llamó mucho la atención pues parece 
querer
dotar a tu propuesta de un carácter orgánico, como si quisieras decir 
que
frente a tu música electrónica tenemos a un elemento vivo y a la vez 
venenoso.</b></p>



<p style="text-align: justify;">Buena pregunta. Creo que la respondiste 
en
cierta forma. No fue una intención de dotarle algo orgánico al nombre 
pero sin
duda lo es.Su origen viene
deque por un tiempo me dio por
leer todos los días el glosario de terminologías medicas, y por meses 
comencé a
leer y saber que significaba, ataxia,<span style="">&nbsp;
</span>mastodynia, azotaemia, etc. De ahí salio el nombre. </p>

<p style="text-align: justify;">Recomiendo que entren, es muy bueno, 
aprenderán
mucho, (<a href="http://users.ugent.be/%7Ervdstich/eugloss/EN/lijst.html">http://users.ugent.be/~rvdstich/eugloss/EN/lijst.html</a>)
Y sí, da la sensación de venenoso ¿no? Creo que eso me parece atractivo.
 Endo
es interno, y toxic es toxico. Internamente toxico. Eso es, ya se los 
dejo a su
imaginación.</p>


<p style="text-align: justify;"><b>Cuéntanos
un poco de cómo te iniciaste en la música. ¿Te consideras un músico
autodidacta? </b></p>

<p style="text-align: justify;">Soy un músico completamente autodidacta 
como
muchos en el medio. Siempre me gustoó la música clásica y el jazz. De 
muy niño
(3 años), por el asma severa que sufría mi madre se dio cuenta que con 
esa
música me relajaba y dormía, así que solía escuchar mucho de eso durante
 las
madrugadas, asumo que mi oído se acostumbro a ello, por que no escuche 
rock,
electrónica o alternativo hasta los 14 años Simplemente era ruido para 
mi, no
lo aceptaba (¿que raro no?) Después descubrí a Blind Melon, de ahí pase 
al
grunge, de ahí a Radiohead, de ahí al trip hop con Portishead y 
finalmente a la
electrónica.De niño como a los 5tuve mi teclado, un bajo a los 16 años
y un saxofón a los 19.Comencé a
usar el programa Ableton Live 4.0 a finales del año 2006, que fue justo 
en la
fecha que hacía mi trabajo final de diseño gráfico, me agarró entre un 
momento
que no tenia tiempo y me sobraba pasión. De ahí pase al live 6 en el 
2007, donde me sobraba tiempo y pasión, y
ahí es donde me encuentro bastante cómodo hasta ahora. Inicialmente no 
hacia
dubstep, intentaba con lo que sea, usaba muchos pianos y glitches con 
Beats
simples, el dubstep vino a mi vida por medio del trip hop, buscando un 
sonido
nuevo, queriendo emular la sensación del Low beat.</p>

<p style="text-align: justify;"><b>Háblanos
del proceso de creación de tu música. ¿Sueles venir ya con una base 
rítmica
determinada y trabajar sobre ella?</b></p>



<p style="text-align: justify;">Eso es lo más especial de mi música 
según mi
perspectiva. Nunca hay base predeterminada en el proceso de realización,
 He
producido con ya algunas personas, y casi todos dicen que mi proceso es 
raro,
no tiene sentido o simplemente es un desorden. Yo lo veo como mis 
pinturas,
algo surrealista y automatista, sale del momento y vuela en la 
imaginación. En
base a eso es que considero mis canciones emergen. Siempre selecciono un
 grupo
random de loops o genero loops según mi estado emocional, cojo un 
sintetizador
y hago algunas armonías, de ahí comienzo a romperlos, amarrarlos, 
estirarlos, mezclarlos,
y poco a poco voy lanzándolos como pintura y va saliendo la canción. No 
me
gusta el proceso lineal de la producción y edición, aunque no es que 
tenga
muchas mas opciones, pero siempre que puedo una canción la suelo tocar 
en vivo
la grabo y de ahí recién la edito si es que es necesario. El live es 
fantástico
para hacer esto. El 80% de mis canciones son así, salen en 1 hora, y de 
ahí
puede tomar días o minutos terminarla. </p>

<p style="text-align: justify;">Algo que no me gusta es dudar mucho del 
sonido
que tengo, me gusta adaptarme al sonido, no adaptar el sonido a mi 
música.</p>

<p style="text-align: justify;"><b>Sueles
combinar una buena cantidad de samples de películas y otras grabaciones 
en tu
trabajo. ¿Cómo es la dinámica de creación con estos elementos? ¿Te 
interesa
dotar de un plus conceptual a tus temas con ello?</b></p>

<p style="text-align: justify;">La verdad mi idea es de darle un poco de
 voz a
lo que hago, por que a veces me gusta sentir la canción como una 
historia, que
dura un tiempo. Tengo un <i>issue</i> con la falta de voz que 
complemente mis
realizaciones, no en todas pero muchas serian excelentes con voz, he 
probado
con un par de personas pero nunca nada exitoso, sin embargo cuando uso 
samples
de otros lados es más sencillo. El sample no se queja, y suena siempre 
igual a
mas que lo mutes ¿no?.</p>

<p style="text-align: justify;">Quisiera tener una cantante que quiera 
probar
con mi música, tengo otras canciones que no muestro, con otro estilo 
pero no
tienen voz, están esperando ahí a la mujer que quiera cantar.</p>

<p style="text-align: justify;"><b>Dando una
ojeada a tu myspace pudimos ver que te desarrollas a la vez como artista
plástico. ¿Tienes algún interés en desarrollarun proyecto que combine 
simultáneamente ambos trabajos, la
música y tu producción como pintor? ¿Tal vez en una presentación en 
vivo?
Algunas de las ilustraciones son bastante impresionantes</b></p>

<p style="text-align: justify;">Yo pinto desde los 14, o 15 años de 
edad, y
dibujo muy bien desde muy niño. Era el único curso en donde sacaba 20 
siempre
(era de los últimos 5 puestos de mi promoción de 120 personas) Seguí en 
el
colegio el Bachillerato internacional de arte, donde me saque la máxima
puntuación, esa fue mi base, desde ahí no volví a aprender pintura solo 
seguí
pintando. Salí del colegio esperando estudiar Arte pero como a muchos, 
me lo
negaron. Mi carrera como profesional es la de diseñador grafico, pero 
aquí
viene lo interesante, no me gusta mi carrera por que sigue muchas reglas
 y
lineamientos, por lo consecuente me considero tal como tú dijiste 
artista
plástico. Es donde mas cómodo me siento y donde emergen mis mejores 
resultados.
Tengo pensado hacer una exposición hace muchos años, creo que tengo 
bastantes
cuadros para poder hacerla e ilustraciones que en gigantografía serian 
un
puñete a la cara. Sería como una especie de instalación bien mutante y 
claro
que iría música mía, pero aun no tengo nada escrito ni galería separada.
 Este
año 2010 pienso estudiar otra carrera, la de artes plásticas, por lo que
 asumo
estaré mas activo en ese ámbito.</p>


<p style="text-align: justify;"><b>¿Cómo
consideras que se encuentra en Lima la escena de electrónica vinculada a
 tu propuesta? Te hemos visto en
algunas presentaciones en los festivales de </b><a href="http://www.lacasaida.org/"><b>La Casa
Ida</b></a><b> en el centro. </b></p>

<p style="text-align: justify;">La movida electrónica vinculada a mi 
propuesta
es mínima. He visto la cara de la gente cuando toco, no soy sonso.Del 
100% de personas que escuchan
siempre hay solo un 10% que se mueve y le gusta. Lo mas feo que me pasó 
fue
cuando una persona se acerco a pedirme que "mezcle" otras canciones, que
 esas
eran un asco, que cambie lo que estaba poniendo. Soy conciente de esto, 
no se
si por que no la entienden, no la aceptan, o no les gusta. Las pocas 
personas
que lo aprecian les gusta mucho y me ayudan incentivándome a seguir 
adelante.
Nunca pensé que el reconocimiento a mi música me haría querer seguir. Al
principio solo era algo para mi, pero de ahí se volvió para el resto 
también.
Soy feliz cuando una persona viene y me dice bien ahí o chévere con la 
tocada,
muchos piensan que mezclo la música, cuando en realidad la hago en vivo.
 </p>



<p style="text-align: justify;"><b>¿Qué
opinión te merecenotras escenas
de electrónica, como las que arman </b><a href="http://www.colectivoauxiliar.com/Auxiliar/Intro.html"><b>Colectivo
 Auxiliar</b></a><b> y los </b><a href="http://en.wordpress.com/signup/?ref=typo&amp;new=elektrofreaks"><b>Electrofreaks</b>
 </a><b>? </b></p>



<p style="text-align: justify;">Las respeto mucho, por que son la 
influencia
local que tengo y todos tienen, hay otros colectivos y grupos, es mas 
hay
muchísimos, y me sorprende que me estén entrevistando a mi cuando ellos
deberían de tener un poco mas de atención. El esfuerzo que hacen para 
que las
movidas tenga pegada, es muchas veces bastante sacrificado, ya son 10 
años de
una generación que comenzó escuchando y viendo. Ahora esta haciendo y 
moviendo.
La gente no se ha dado cuenta de eso, pero es importante reconocerlo. 
Sin
embargo hay algo importante que debería mencionarse, muchas veces estos 
grupos
se generan con buenas intenciones, para la difusión y todo lo 
relacionado a la
movida, pero al final se terminan cerrando un poco entre ellos en vez de
juntarse para hacer mas fuerza. Quizás es por que no pertenezco a ningún
 grupo
que opino de esa manera.</p>



<p style="text-align: justify;"><b>¿Qué
podemos esperar de tu próxima presentación en </b><a href="http://centro.fundaciontelefonica.org.pe/"><b>Centro Fundación 
Telefónica</b></a><b>?
 </b></p>



<p style="text-align: justify;">Tengo 4 tracks nuevos, y quiero refinar 
algunos
otros tracks para que suenen más limpios. Me parece importantesiempre 
estar actualizando tus tracks o
mejorándolos, yo los veo como versiones de software. Primero viene el 
alpha,
luego la versión beta, de ahí la 1.0, 1.1, 1.2 ...y así hasta que ya no 
haya soporte para ese software o
canción y se da por terminada y viene algo nuevo. Eso puede durar mucho 
tiempo,
pero yo soy un apresurado. Esperen un set interesante, por que va a 
estar
variadito. </p>



<p style="text-align: justify;"><b>¿Qué le
dirías a la gente que tal vez, estimulada por tu música, se atreve a 
crear por
su cuenta?</b></p>



<p style="text-align: justify;">La verdad ante todo si logro estimular a
 alguien
de alguna manera, para que se atreva a hacer música, seria el máximo 
orgullo, y
ahí si se me saldríael ego mal
ya. </p>

<p style="text-align: justify;">Yo no cuento con ningún
equipo de sonido profesional. Todo lo que he hecho hasta ahora lo hice 
con mi
tarjeta integrada de 16bits a 44mil Hertz. (La que todos tienen en su 
PC) No
uso controladoras, ni tarjetas especiales ni nada de esas cosas. Uso una
 PC y
no uso laptop, me gusta llevar mi CPU completo a mis tocadas, nada 
deMacintosh ni coj.... (Creo que soy el
único enfermo que lleva el CPU para tocar) Toco con mi Mouse y mi 
teclado de la PC. Si yo puedo,
ustedes pueden, cualquiera que tenga el tiempo suficiente para querer 
hacerlo
lo hará.Atrévanse a hacer música,
solo tienen que aprender las terminologías, que los sonidos viene solos.
 TODOS
PUEDEN.</p>



<p style="text-align: justify;">José Carlos loyola</p>


<p><a href="http://www.flickr.com/photos/49409684@N04/4563386309/" title="ENDOTOXIC EP por Sonoteca / Centro Fundacion Telefonica, en 
Flickr"><img src="http://farm4.static.flickr.com/3246/4563386309_0af0a48af5.jpg" alt="ENDOTOXIC EP" width="500" height="453" /></a></p>]]>
    </content>
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    <title>Audiosesiones - Mash Up - festival Punto y raya - viernes 30 de abril 7:00pm</title>
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    <published>2010-04-27T16:24:00Z</published>
    <updated>2010-04-27T16:25:30Z</updated>

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        <name>sonoteca</name>
        
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        <![CDATA[<a href="http://www.flickr.com/photos/23426460@N06/4538978710/" title="mashup por centrofundacion_telefonica, en Flickr"><img src="http://farm3.static.flickr.com/2802/4538978710_1eb32339a8.jpg" width="500" height="347" alt="mashup" /></a> ]]>
        
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