Archivos Octubre 2008
Carlos Andres Leguía, más conocido como Teté Leguía, es compositor y bajista de innumerables proyectos musicales. Hará su gran debut con su proyecto solista llamado "Shimdikiundipsun" este viernes 24 de octubre (7:00PM) dentro del ciclo Audiosesiones en el Centro Fundación Telefónica. A propósito de esto, conversamos un poco con él y sobre el misterioso nombre de su proyecto.
1.- Es la primera vez, hasta donde sé, que vas a presentar un concierto con música exclusivamente tuya. Cuéntanos un poco sobre la música que estás haciendo de manera solista y sobre lo que vas a presentar en el concierto de las Audiosesiones.
Bueno, creé Shimdikiundipsun para poder tener un lugar donde trabajar la música que hago que siento necesito dirigir mucho más puntualmente, y bueno, tener un control total del resultado, o casi total en cuanto a las partes que involucran improvisación. Para el concierto de Audiosesiones voy a presentar una composición que he estado trabajando con algunos músicos con los que vengo tocando desde siempre y con los que me es muy fácil compartir mis ideas. Sobre la música específicamente no podría decir más de que requiere gran atención de parte de todos y que estamos disfrutando mucho los ensayos.
Ahora que mencionas Shimdikiundipsun, el nombre de tu proyecto solista podrías contar de donde sale ese nombre, que significa?
Una noche tuve este sueño: Yo estaba en un oasis descansando cuando de pronto veo a Goku volando hacia mi. Me dijo que lo siguiera. Él volaba en lo alto indicándome el camino. Después de atravesar por días el desierto, empezó a nevar y empezamos a subir por una gran montaña. Al fin llegamos a un abismo y ya no podía avanzar más. Goku bajó al borde del abismo en donde yo estaba, él se reía un poco, como si la situación lo divirtiera.
Entonces escondió sus manos detrás suyo y me dijo que eligiera una. No recuerdo cuál elegí pero cuando lo hice Goku se puso eufórico y empezó a volar muy rápido dando vueltas a mi alrededor, luego se puso enfrente mío y saco una botella de vino de la mano que yo había elegido, me sirvió una copa y luego se sirvió otra para él. Fue entonces que volteo y veo para mi sorpresa a muchos amigos míos ahí, estaban a mi alrededor formando un circulo grande, todos tenían copas de vino en sus manos. Levantamos nuestras copas y de mi boca salió la palabra Shimdikiundipsun, todos la repitieron y la empezamos a decir muy fuerte brindando.
Recuerdo que entonces la nieve se sentía caliente, como si hubiéramos hecho un hechizo, jajaja.
Cuando desperté escribí la palabra en un papel porque me pareció especial escuchar una palabra nueva en un sueño. Fue después de unos días que me di cuenta que ese era el nombre de mi banda.
¿Y que onda con "Los Últimos", qué es, quiénes son?
'Los Últimos' es un trío de 2 baterías y bajo. Toca Edson León, Pedro Fukuda y yo.
Ellos también tocan en Shimdikiundipsun pero la música es totalmente distinta, son temas de Pedro, Edson y míos con arreglos de todos. También improvisamos bastante y creo que para el concierto de Audiosesiones eso es lo que vamos a hacer.
3.- Tu has tocado en muchos grupos, algunos que han durado sólo un día, algunos se mantienen hasta la actualidad, pero siempre hay de ti la imagen de un músico que toca en varios grupos, de rock, de jazz, experimentales, etc. Sigues tocando en muchos grupos actualmente? ¿Es difícil mantener el ritmo de estar en tantos grupos a la vez?
Si, actualmente toco en varias bandas. A veces es complicado estar involucrado en tantos proyectos por los horarios, pero aparte de eso creo que es muy bueno tener varios lugares donde explorar diferentes cosas si uno lo desea. También puede llegar un momento en el que uno desee hacer un solo proyecto y darle a este toda su concentración y energía, si esto llega a pasar, esta decisión también me parece buena.
4.- ¿Cómo te sientes más cómodo al momento de hacer música, improvisando en vivo o tocando piezas compuestas? Podrías explicarnos un poco cómo funciona en ti cada uno de esos procesos?
De las dos maneras siempre trato de estar muy atento a la música mientras se produce y si se trata de improvisación trato de usar mi memoria y mi instinto para conseguir estructuras interesantes.
Hay cierta incomodidad que llega sobretodo tocando en vivo. Pero no siempre sucede. Me pasa que a veces mi conciencia deja de estar atenta a la música y empieza a verse a si misma actuando sobre la música de manera mecánica, en este punto ya no puedo sentir ningún tipo de placer porque no estoy realmente ahí, solo se generan movimientos mecánicos según el estilo que estoy tocando, y esto puede pasar (y de hecho me ha pasado la mayorías las veces) tocando música "experimental", lo cual significa que también hay un estilo experimental muy obvio.
5.- Alguna vez pude ver tus partituras musicales, tú eres un músico con formación académica. Qué ha sido de esa etapa? ¿Te interesa desarrollar más ese lado tuyo que tiene que ver con la música académica? Cuéntanos un poco la relación que tienes con el mundo académico y cómo lo percibes en Lima.
No lo veo como una etapa, no podría separar mi "lado académico" de mi "lado experimental", no siento que estos términos tengan validez alguna. Es algo holístico, uno no escucha un experimento o una institución académica, uno escucha la música. Lo demás son quimeras conceptuales que pervierten el placer de hacer y de escuchar música generando ciertas posturas sociales.
Eso es cierto, aunque en el practica las cosas en Lima no son precisamente así, yo he notado que muchos músicos académicos miran con cierta distancia lo experimental, como si fuera una travesura que hay que corregir (de hecho a veces lo es) y en general el mundo académico en Lima no ha incorporado realmente practicas musicales mas contemporáneas (o simplemente mas libres). Tiene mas bien un ideal de como debe ser la música, mas, digamos, decimonónica. No sé si tu música en un circuito académico ha sido bien vista.
Si, es cierto, esa actitud existe pero lo raro es que es solo gremial, y también pasa con músicos "experimentales" (aunque en menos medida). Hay una especie de actitud "purista" de ambas partes, pero no tienemucho que ver con la música en si.
Por ejemplo, el último año que estuve en el conservatorio hice una pieza para flauta sola, en la pieza trataba de ridiculizar todos los recursos de la música contemporánea. Esto no se lo dije a mi profesor
ni al jurado, simplemente les di la pieza para ver como la tomaban. En la pieza el flautista tenia que tocar música atonal muy difícil y tenía que equivocarse en un determinado momento de la pieza, el error estaba escrito y lo tenia que repetir varias veces hasta que el público empezara a reírse de él, luego tenía que hacer un monólogo en donde se disculpaba y decía que le parecía ridículo tocar este tipo de música, que no entendía por qué alguien usaba su tiempo haciendo cosas tan superficiales y tontas, al momento de decir esto tenia que coger las partituras y empezar a hacer ritmos con las hojas y a hacer ruidos con la boca como si fuera un animal y bueno así seguía la pieza , al final creo que botaba el atril al público y tocaba unos multifónicos casi imposibles de memoria y se iba del escenario corriendo. Recuerdo que saqué muy buena nota en este examen...
¿Tu crees que ese tipo de música es menos "experimental" que hacer ruidos con un pedal? Es solo una percepción de la diferencia en la actitud, hay gente que cree que por saber teoría uno no es libre y viceversa, esto es totalmente falso. Y genera muchas actitudes arribistas, "quien es más libre que quien", "quien sabe más que quien" y cosas así que no tienen nada que ver con el acto de escuchar.
Volviendo a la composición, yo ya no haría jamás música así, me parece que ya fue suficiente, sería como comer nuestro propio vomito.
6.- Por otro lado, tu eres un músico muy vinculado a la escena experimental de Lima, cómo la vez actualmente?, ¿te sientes más cómodo en esa escena que en la académica?
Hay cosas geniales y hay cosas horribles, con un gran degrade entre ellas. No realmente. Es más fácil tocar en vivo, eso si. Algo que me molesta mucho de la escena "experimental" es que hay esta especie de comportamiento seudo-comunista implícito en el manejo del dinero. Es ridículo. Si te llaman para tocar en un concierto con más bandas, en donde alguien va a lucrar de ti, de tu trabajo, y preguntas cuanto te van a pagar se forma un silencio, se siente que hacer esa pregunta esta mal, como si uno no entendiera la 'buena onda' por hacerla.
Esta es la mayor estupidez que he visto. Siempre pienso qué pasará de todos nosotros en el futuro, cuando seamos viejos y no tengamos plata para comprar nuestros remedios para la artritis.
Supongo que tendremos que ser meseros de día y músicos experimentales de noche, una especie de generación de vigilantes nocturnos a lo Batman.
Yo creo que eso se debe a que en Lima se esta empezando a usar (ya desde hace mucho)al músico experimental como un decorado que le da digamos su nota cool a las fiestas o los conciertos, siento que eso no debe ser así, pero también noto que de parte de los músicos de la escena experimental hay cierta pasividad, como si solo tocan, justamente, cuando los llaman, y eso termina creando un circulo vicioso, donde a falta de espacios no queda otra que asumir las condiciones que se generan. Eso debe romperse.
No debería de ser así! Uno debe de tener la suficiente dignidad como para saber que lo que uno hace mientras existe es algo importante, sea lo que fuere. Y dados los sistemas de vida en este planeta, pedir dinero por lo que uno hace debería ser tan normal como decir 'hola' cuando saludas. No debería
de verse como si a uno solo le importara la plata, ni debería de mezclarse con moda ni nada de eso. Tener dinero para pagar la renta, para comer, etc, es algo importante. Y también es importante lograr
que la gente pueda subsistir haciendo lo que les gusta, solo así la música mejora, cuando le das la posibilidad a la gente que viva de lo que le gusta hacer.
Esto es una falta de conciencia por parte de los músicos y también de los organizadores de eventos.
7.- ¿Qué música estás escuchando actualmente?
Estoy escuchando la música de Olivier Messiaen que me encanta, el álbum "Smile" de Brian Wilson y algunas cosas más.
8.- Con Liquidarlo Celuloide musicalizaron Tetsuo, ¿personalmente, que película te gustaría musicalizar y por qué?
La verdad que no lo sé, pero hace años tenía una obsesión por las películas del estudio Ghibli y soñaba con hacer la música de una de sus películas. Me gustan mucho las cosas fantásticas.
9.- Qué planes con tu música de aquí en adelante, hay posibilidad de ver un disco tuyo solista pronto o con alguna banda? hay nuevas obras que piensas presentar en vivo?
Quiero sacar un disco con la música de este concierto. Pero tengo mucho material que también pienso ir sacando poco a poco.
10.- Para terminar, cual es tu escena cinematográfica favorita? y si tuviera que comprarme un bajo que modelo y marca me recomendarías comprar
La escena final de la película "El Cristal Oscuro" siempre me emociona cuando la veo. También la parte final de "IZO". Sobretodo un frase que aparece sin sonido. Un buen bajo puede ser un Warwick con cuerpo de caoba y brazo de maple, diapazón de pauferro y pastillas activas EMG. También puede ser un Fender Precission, son bastante versátiles.
Pero no necesariamente, lo mejor es sentirse cómodo con el sonido que uno le puede sacar a un bajo, y eso es casi totalmente un trabajo de la técnica del bajista.(Luis Alvarado)
Myspace: http://www.myspace.com/teteleguia
IN-SONORA es una asociación cultural creada para apoyar y dar visualidad a
propuestas artísticas experimentales relacionadas con la interactividad y/o lo
sonoro, desde un punto de vista amplio y multidisciplinal. Desde 2005 IN-SONORA apuesta por un
encuentro anual que permita aunar instalaciones y objetos sonoros/interactivos,
eventos experimentales, talleres, debates y presentaciones, así como de ir
generando un archivo con documentación de trabajos de esta naturaleza. Todo
ello mediante una convocatoria internacional pública que apuesta principalmente
por artistas emergentes. IN-SONORA no es sólo un festival de música
experimental, es una plataforma para la difusión e investigación de este tipo
de propuestas más arriesgadas. Hasta ahora ha estado localizada en Madrid y
focalizada en encuentros de esta índole y en especial en la muestra realizada
anualmente en el mes de octubre, pero poco a poco tiende a extrapolarse a otras
sedes nacionales e internacionales con una labor continúa. Por el momento IN-SONORA pone de su
parte un gran esfuerzo humano, da cierta cobertura como espacio de investigación,
y desarrolla toda una importante labor comunicadora y de difusión, mediante
boletines digitales, web, notas de prensa, catálogos... pero aspira a conseguir
un mayor apoyo de entidades e instituciones para poder ofrecer la ayuda económica
y de medios necesaria para estas manifestaciones artísticas tan específicas. La SONOTECA ha sido invitada a participar dentro de la selección de proyectos
on-line dentro de la sección de Net art + Net Label de la
muestra IN-SONORA en las instalaciones del Instituto Europeo DI DESIGN
Palacio Altamira - Madrid desde el 17 al 24 de octubre.
Rodrigo Derteano es un artista peruano con interés y
antecedentes en sonido, programación y creaciones electrónicas. Empezó sus
estudios en Universidad Católica (Perú) en comunicación audivisual, para luego
culminarlos en la especialización de arte y nuevos medios de Escuela de Arte y
Diseño de Zürich (Suiza).
En sus instalaciones y performances utiliza frecuentemente el sonido como medio de exploración y expresión, incorporando a menudo grabaciones de campo. Sus temas favoritos son la ciudad, el ruido, y el impacto de tecnologías de comunicación en nuestra sociedad, especialmente la latinoamericana.
El miércoles 15 y jueves 16 de octubre estará realizando un taller sobre mapeo y espacialización de sonido donde los participantes pasarán a familiarizarse con el sistema de la matriz de 20 parlantes (hardware y software), que se encuentran instalados como parte de la obra 'reprocesando espacios', de la muestra Emergentes.
Finalmente el día viernes 17 de octubre a las 7:00pm estará presentando su Dossier donde explicará más sobre sus distintos proyectos e instalaciones realizadas. Junto con Jorge Villacorta nos mostrará trabajos vinculados al arte sonoro, varios de ellos se alimentan de las grabaciones de campo en distintos puntos de la ciudad, siendo posteriormente materializados en instalaciones interactivas (de carácter espacial u objetual).
Están todos invitados
Metástasis
Sound & Chifles
Headphonica; 2008
Hace ya algunos años que Renzo Filinich (Metástasis, Quematuradio) decidió emigrar fuera del Perú en busca de mayores oportunidades. Su destino fue Chile y desde allí sigue haciendo música y desarrollando diversos proyectos de rock y de música electrónica. Con Metástasis, su proyecto de música electroacústica, tiene editados varios discos, el último de ellos aparecido en formato físico fue "Reconstrucción" y fue grabado y editado de manera independiente en la ciudad de Antofagasta en el 2005.
La nueva producción de Renzo Filinich "Sound & Chifles" sale editada, como va siendo la norma en mucha de la escena experimental de este lado del mundo, en formato mp3 para libre descarga, a través de la netlabel alemana Headphonica. El disco cuenta con 5 tracks, algunos ya difundidos. Este es pues su disco de "grandes éxitos".
Inspirado en un poema de nuestro gran surrealista César Moro, "La leve pisada del demonio nocturno" está en el límite entre lo que podemos llamar ambient aislacionista (para los metidos, más o menos en la onda de Lull) y la electroacústica. Se trata de una pieza oscura, austera y ambiental. Compuesta a partir de síntesis electrónica.
El poema de César Moro llevaba el verso "con tu sombra que intercepta el ruido". Y eso hace que uno le encuentre un mayor sentido a esta musicalización. No recuerdo otro caso, salvo de los exiliados Silvania, de músicos experimentales peruanos que hayan recurrido a motivos de la poesía peruana para sus temas, algo que sí es muy frecuente dentro del mundo de la música académica, donde Renzo Filinich tiene puesto un pie. El tema apareció publicado el año pasado en la netlabel chilena Amigos de
En suma se trata de un disco que va de la composición electroacústica, al ambient aislacionista, a la improvisación. Un disco que ubica a Renzo Filinich como uno de los artistas peruanos de mayor proyección dentro del mundo académico experimental, junto a gente como Jaime Oliver. Y que por lo mismo se mantiene como ilustre solitario ajeno a los devenires del circuito académico peruano, demasiado conservador como para estar pendiente de gente como él. De ahí que Renzo esté más vinculado a la escena experimental que por otro lado a veces es demasiado reacia a lo "elaborado". Sin una escena clara, como suele pasarle a más de uno en este país, Renzo Filinich va haciendo su camino propio. Celebramos la aparición de este disco y su poca fidelidad a la anquilosada pompa que a veces caracteriza al mundo electroacústico. La portada está muy buena.
Luis Alvarado
Omar Lavalle
dEstructuras
Clinical Archives; 2007
Muy sugestiva la portada de este disco de Omar Lavalle, editado por la netlabel rusa Clinical Archives. ¿Qué debemos ver en la portada? Concretamente vemos la esquina de una banca que tiene una ranura al medio. El equilibrio de la imagen hace pensar en cierta idea de pieza angular, la banca y la pared se vuelven dos mitades que encajan perfectamente y forman un sólo bloque. De ahí tal vez el nombre del disco "dEstructuras" (Clinical Archives, 2007) que sugiere una afirmación y una negación, algo que se compone y potencialmente se descompone.
Desde hace mucho la idea de deconstruir forma parte del imaginario de muchos músicos experimentales. En la electrónica los alemanes Oval y todo el ejército de francotiradores "glitch", con el americano Kim Cascone a la cabeza, celebraron su fiesta deconstructiva post digital, erosionar el lenguaje, el medio, y como era de esperarse, se terminó por crear un nuevo género musical. El mundo del techno ha canibalizado estos experimentos y hoy no es extraño que en mucha música de baile suenen chasquidos y ruiditos acompañados de ritmo.
El disco de Omar Lavalle tiene justamente algo de la sinestesia del ambient techno y del crujido experimental del glitch. Sin llegar a ser propiamente un disco de techno, es más bien un disco de electrónica experimental, posee una riqueza rítmica que lo dota de una cosa orgánica, que lo hace muy atrayente, hedonista, gozoso, como si se tratara de un trip en plan glitch.
Omar se deja llevar por las sensaciones, por la capacidad hipnótica de los sonidos, por el placer que estos pueden producir. Hay que recordar que Omar es un músico muy relacionado con la escena de danza contemporánea y performance de Lima, de ahí que su música esté muy teñida de un clima y ritmo especial, de cierta sensualidad.
En "dEstructuras" Omar Lavalle se sumerge en los terrenos de la imaginación, cual creador de una banda sonora ficticia para construir allí sus extrañas estructuras, palacios y engranajes monumentales que se desbaratan.
Valga señalar los recursos de los que se vale Omar: grabaciones de campo, micrófonos de contacto, que todo registran, todo samplean, y obviamente
Luis Alvarado
Ida
Distancia
Independiente; 2008
Ida es el actual proyecto de Álvaro Pastor, músico y activista de la escena underground electrónica de Lima.
Álvaro tiene un espacio ubicado en la cuadra 7 de
Fue en este lugar donde justamente se dio a conocer Ida como un proyecto de dúo entre Álvaro y Mauricio. Como dije, actualmente Álvaro es quien está frente del grupo y en reemplazo de Mauricio ha ingresado Giancarlo (guitarra de Viajeros y bajista de Moldes). "Distancia" (Independiente, 2007) fue grabado con la formación original.
Tiene un empaque de sobre postal que sumado al título le da un aire conceptual: la distancia es una barrera comunicacional por sortear. Podría tratarse de la distancia entre la música (ésta música) y el público y no habría de qué sorprenderse, porque esa distancia existe.
"Distancia" es el segundo disco editado por Ida, tiene mucho de IDM y algún remanente de techno industrial y trip hop, algo de Aphex Twin también. Sus bases rítmicas son agresivas y a la vez hipnóticas. El love me, love me, love me del tema "Larga Distancia" tal vez sea un guiño a la canción de los Cardigans, aunque aquí ese love me se ha convertido en un llamado de alerta a través de un megáfono. Lo mismo en "¿María?" donde hay una voz procesada que canta un fragmento de ese viejo bolero "Quien será la que me quiera a mí, quien será, quien será la que me de su amor, quien será", ese mismo bolero que alguna vez popularizaran los mexicanos Magneto. El tema a su vez es una suerte de lectura del "Personal Jesus" de Depeche Mode. Suena rara, automática, industrial, oscura, como una voz de operador sin sentido al otro lado del auricular. Pero Ida es todavía más interesante cuando sueltan sonidos distendidos y plácidos, cuando se dejan llevar por los downtempos hipnóticos, cuando crean paisajes y desarrollan melodías como la notable "Dorsal", donde se acercan un poco a ese sonido aterciopelado del inglés mago post rocker Seefeel.
"Distancia" ha sido sin duda uno de los discos de música electrónica peruana más interesantes editados durante el 2007. La nueva formación de Ida con Álvaro y Giancarlo está tomando una ruta distinta, con un toque más jazzy, esperamos pronto salga el nuevo disco.
Luis Alvarado
Paulo Novoa
Free Trash
Independient; 2008
Recuerdo que en su visita a Lima hace unos años el músico español Francisco López me dijo en una entrevista que nunca como en esta época la música había alcanzado tal nivel de rapidez para realizarse, es suficiente apretar un botón y ya tienes una composición musical.
Detrás de este concepto hay dos cosas que se cruzan y que de algún modo han creado el gran paradigma para mucha de la música experimental actual. Por un lado la legitimidad del amateurismo, que se le debe al punk, y por otro las ideas de música generativa, resultado de las experiencias musicales de John Cage y Brian Eno, valga decir, la idea de la música como un flujo similar a la vida y del músico como un productor de dispositivos que permiten la generación de esos sonidos que van teniendo su "vida propia". Estas ideas de alguna manera pueden explicar el porqué de la proliferación de discos de música experimental y de improvisación en cantidades industriales y de artistas que editan hasta 100 discos por año. Más que de una ebullición creativa habría que decir que esta época, marcada por la velocidad, parece haber abierto las puertas a la idea de que todo instante puede ser aprovechado, y que como en la vida, ningún instante puede repetirse en el tiempo.
Dentro de eso mundo musical tan abundante y lleno también de lugares comunes, como es el de la experimentación, hay ciertos artistas y ciertos discos que tienen la virtud de salirse de la norma. Discos surgidos por el dictado del juego y el splin, como "Free Trash" (Independiente, 2008), un disco suficientemente alegre como para encajarlo en el saco de "improvisación libre" y a la vez suficientemente pastrulo como para encajarlo tan fácilmente en el saco del pop. Pero vamos yendo por partes. Para empezar, su autor Paulo Novoa ha estado vinculado con ambos polos. Ha sido vocalista en la fase pop de Kinder, es guitarrista del grupo de noise rock El Mundo de Pecval, y a la vez integra un proyecto de noise experimental llamado Human Fauna Hurra Salva Family. Sin hablar de su pasado punk. Y ha demostrado tener talento de sobra para cualquiera de sus facetas. "Free Trash" es su proyecto solista y su manera de patear el tablero de los géneros y apostar a su modo por la música como ese flujo vital.
Y es que "Free Trash", como el mismo Paulo lo menciona en la información adjunta, fue creado en una noche. Valga decir, compuesto y grabado en una sola toma, en el mismo instante, como si se tratara de música automatista. Y esa misma noche lanzado al ciberespacio para su descarga libre. El procedimiento recuerda a la poesía automática de los surrealistas. Pero digamos, en estas aventuras ya se sabe que la improvisación o la creación pura no existe, porque finalmente es la memoria y sus miles de combinaciones (demonios y ángeles interiores) las que permiten inventar o producir la obra. Lo que aquí hay que destacar no es sólo el talento de Paulo para la creación espontánea y la audacia de esa apertura de mente y alma, sino la exquisitez de la selección de toda esa ebullición creativa. El disco es realmente redondo.
Alegre, fantasioso, como si se tratara de un corto circuito entre el Spinetta del "Artaud" y los Animal Collective del "Sung Tongs", aunque claro decididamente lo fi (sin mayor problema el sonido doméstico se pasea como Pedro en su casa). De hecho la nota folk está muy presente, la idea de hacer una canción, o de intentar hacer una canción, como si garabatearas. Y ahí quizá está lo trash, en la idea de hacer algo sin importar el acabado, sólo bocetear hasta encontrar en ese medio eso que lo haga insustituible, que lo haga irreemplazable, que lo haga único. Paulo Novoa ha conseguido hacer su pequeña obrita maestra, intraducible a mejores condiciones.
"Free Trash" es un disco que alcanza su maestría aprovechando al máximo los elementos con los que cuenta (una teclado, una guitarra, la voz y la grabadora de un reproductor de mp3). Junto con Lunik y los Retrasados de hojalata, otro nuevo héroe de las aventuras oníricas en casa.
Luis Alvarado
